ken

トニー・アレンとは、長年付き合わせさせて頂いております。こんなレジェンドとはハングし、いつも人生に役立つ事ばかり光栄に助言してくれつつ、フェラ、アフリカ７６時代や音楽に関して、ディープに語り合う。

そんなトニー・アレンと初めて会ったのは、先日Reagenzに関して書いた文にも記載した、今や考えられないアメリカ横断ロード・トリップ（マッ〜、某レコード会社に勤めていた頃の出張。音楽業界ってこういう意味でいいですね）を２０００年に行った時でした。
SF、マイアミ（ウィンター・ミュージック・コンフェレンス。まだあの頃、最高に良かった！　今は知らんが）、NYそして急遽ロンドンへと。最後の１週間ぐらいは行方不明になっていたが。。。

出張に行く前にたまたまトニー・アレンもマイアミのコンフェレンスに合わせて、北米ツアーを行っていて、SF、マイアミ、NY（ボディー＆ソウルにも出演）。

で、SFでJustic League（その前の晩に、Reflection Eternal等のヒップホップ・ライヴをも見た）というクラブでトニーとCometのエリックと会おうと約束し、行きました。その時、初めてトニー・アレンと彼のライヴを見に行った。確かに、僕、一緒に出張しに行った峰内さん、Ubiquityのレーベル・マネージャーであるアンドリュー・ジャービスとジョナ・シャープも見に行っていた。正直なところ、トニーのライブは悪くはなかったが、その理由としてカナダのトロントからアメリカ、SFに入国する時、トラブっていて、リハーサル無しでライヴを行った。後で聞いたが。

以下はトニーのJustice Leagueでのライブで撮影した写真。整理していたら突然出て来た貴重な写真。

以下の写真はトニー・アレンの旧友で、名前は忘れたが、SFに住んでいるアフリカ７６の元メンバー。NYのボディー＆ソウルでもアフリカ７６の元メンバーにも遭遇。世界あちこちにいるんだね。アフロビートの先駆者達は。。

私自身の旧友であり、海外から有数の良質なハウス、バレアリック・サウンズを国内中に流通しているCapricious Recordsが、青山のループで久々にドープなパーティーを開催します。イギリスの新旧、ダンス・ミュージック・シーンを代表するアーティスト、The Popular People’s Frontと新たなバレアリック・シーンを君臨するレーベル、Claremont 56主宰のMuddを呼んで！　超楽しみだ。両レーベルはアナログ・ディガー達に絶大な支持を誇っていて、世界中の現場を盛り上げているか、癒しているかしている。

Capricious Night

2010.9.19 SUN
OPEN: 10pm
@
AOYAMA LOOP
at door: ￥3,000-1D
w/flyer: ￥2,500-1D

DJs:
The Popular People’s Front
Mudd (Claremont 56)
Jun Kitamura (Capricious Records)

Sound Support by PHONON

www.capricious-records.com

The Popular People’s Front

The Popular People’s Frontとは、無限の想像力豊かなサンプリングとDJプレイに回帰する大胆な音楽マニフェストを持つ謎の集団だ。過去にWarp、Junior Boys Own、Version、Primitive、Odori等々の老舗UKハウス・レーベルから多くのリリースを飛ばし、実は無数に来日もしている(別名義で！)ので、恐らく、PPFの怪しくもフロアを確実にロックするエディットを既に手元に持っていたり、そのオリジナリティーの固まりのようなプレイスタイルが、脳裏に染み付いている諸兄は多いことと思う。

PPFはここ数年間、多大な影響を受けた70〜80年代の伝説となりうるはずの、しかしまだ無名に甘んじているディスコ、初期ブギー、バレアリック、ヒップ・ホップから、生々しいモダンなトラック達のコラージュとも言える作品を、21世紀のダンスフロア道楽とスピーカーを打ち壊すべく、彼らと地元を同じくする著名なCyanide GraphicがPPFのためにデザインした、これまでにないインパクトを添える特注アートワークで身を包み、限定盤のヴァイナル・オンリーでリリースしている。PPFのメッセージと作品は常にフレッシュで、印象的である事は間違いない。ヘビー級のマニアに向けられた限定ヴァイナルシリーズではあるが、うなぎ上りの人気が彼らの実力を裏付ける。またPPFはこの20年の間、彼ら独自の、煽り立て恍惚とさせるクラブ・ミュージックの歴史をプレイするため、世界中の厳選された良質なアンダーグラウンドなパーティー、レイヴ等々に出現している。The Popular People’s Frontという秘密組織に志願するには、日本ではこのパーティーだけがそのチャンス。

http://www.myspace.com/thepopularpeoplesfront

MUDD

バレアリックな太陽光を追い続ける一人のイギリス人ベテランDJ／プロデューサー、Mudd。95年にIdjut Boysのレーベル、Discfunctionから3人組Akwaaba名義の“Just Pilau”でデビューし、Francois KやRon Trent等のコンピに収録され、90年代のニュー・ディスコ・シーンの金字塔に彼等の名前が刻まれた。2003年のAkwaaba解散後、Mudd自身はソロ活動に転向、Rong Musicからソロ名義でアルバム“Claremont 56”を発表し、又自身の同名レーベルを設立、バレアリックの精神にフレッシュな活気を注入し始める。最近Resident Advisor誌で、Claremont 56が月間注目レーベルに選ばれ、「（今やなくなりつつある）細心の注意を払ったデザインと手書きナンバリングの貴重な限定盤で、簡素な亜熱帯地域と冗長な宇宙に魔法をかけている」と絶賛、また2000年から続くSmith & Mudd では、“Blue River”と “Le Suivant”のアルバム2枚をリリース。日本盤も発売され、一躍モダン・バリアリック・シーンをリードする存在となった。

Mudd自身の最新プロジェクト“BISON”では、何と音楽史上の生き伝説、CANのHolger Czukayと、Liquid LiquidのSal Principatoが参加。この夢のグループの初シングル“Way to LA”は、既に｢ダウン・テンポ・クラシック｣と大注目を浴びている。

Claremont 56と傘下レーベルLeng、Sixty Fiveは、昔ながら存在していたが今は忘れ去ろうとしているシンプルな生活観と関与する音楽をこよなく敬愛しそのスピリットを今の彼独自のスタイルで前進させ、我々に思い出そうとしている。

Harveyの「Sarcastic Disco」、MoMa NYのPS1フェスティバル、ロンドンのFabricや333といった世界有数のクラブやパーティーで精力的にDJしているMuddは、真のバレアリック・スピリットの伝道者であり、同じ思いを持つ仲間であるMark E、Phil Mison、Idjut Boys等もレーベルに参加し、旧イビザにタイムスリップしなくても、大自然の緩やかなフィーリングを肌で感じさせる絶好に心地よい無国籍なバリアリック・サウンズを伝授する。この来日は見逃せない。

http://www.claremont56.com/


Text by Ken Hidaka (Wax Poetics Japan)

今年の始めに、Musicmineからジョナ・シャープ（スペースタイム・コンティニュアム）とMove Dのユニット、Reagenzの久々の新作アルバム『Playtime』（昨年、ドイツの人気上昇中のハウス・レーベル、Workshopから２枚組のアナログと限定CDが先にリリース）が国内でリリースされた。気付いたでしょうか？　　本誌の読者には馴染みないかもしれないが、実にWax Poeticsの精神を継承している、長年先駆的なエレクトロニック・ミュージックを想像しているヴェテラン・クリエーターたちだ。彼等こそ、Wax Poeticsで取り上げている伝説的な無数のアーティストのスピリットとアナログ的な制作技術を２１世紀に継承している。また、先週Wax Poetics誌の編集長であるアンドレ・トーレス氏とichatで話した時に言っていたが、Wax Poetics自身は特にソウル、ファンク、ヒップホップ、ジャズには固執しているわけではなく、もしもラジオヘッド、Pディティー等々のメジャーなアーティストを取り上げる機会があれば、Wax Poeticsらしいスタイルで取り上げたく、また新旧ジャンル問わず面白いアーティストがいれば、外部からの固定観念をブチ破りたいと。マッ、アンドレ自身がReagenzを理解するかどうか不明だが、きっと気に入り、Wax Poetics的に記事を考えるのではないかと思うね。

Reagenz自身は来月のラビリンス・フェス等の待望のユニットとしての初来日を控えているので、Reagenzに関して書かせて頂きます。また、後に私自身もまた長年深く関わっている音楽フリーペーパーであるポジビジョン誌の最新号に掲載された記事の、無編集ヴァージョンをこのブログにアップさせて頂きます。Reagenzの素晴らしさを、旧友であるミックスマスター・モリス、リチャード・シャープとメンバーであるジョナ・シャープに長編取材を行い、記事に自ら執筆させて頂きました。また、各アーティストの取材の英語テキストをもアップさせて頂きます。

note: to all english text readers, if you go more to the bottom, there is a series of interviews that I have done with Reagenz member, Jonah Sharp, old friends, Mixmaster Morris & Richard Sharpe about Reagenz and various other things. Think it is a very interesting read since I loved having a nice chat with all of them about Reagenz and all deep musical stuff.

では、私自身のReagenzとコネクトする事に対する想いをまず読んで下さい。

　私自身は９０年代の初旬から、今で言うダンス・ミュージックにドップリハマり始めました。その前にロック、ポップ等の音楽を追いかけていたが、幸運に８９年にロンドンに行き、たまたまナイスなタイミングで、今で言うダンス・ミュージックが誕生する瞬間を体感する事が出来、決してその雄大なる、自由奔放なスピリットを未だかつて忘れず、あらゆる新旧の音楽を追求し続けている。また、音楽好きな人と度々会う機会に恵まれ、彼等の音楽に関する実体験を良く聞きました。「お前は日本人なのか？」と聞かれ、そうだと返事し、その方から「俺は昔ハマースミス・オーディオンでYMOを見た事があるよ。彼等のライヴ、マジで凄かった！」とか、他の方からはYMOに関し「昔、８０年代に１００クラブ（注：パンクの聖地的なライヴハウスで有名）で平日の昼間で開催されたフリー・エントランスのディスコがあり、そこでYMOの「Computer Games」が流れたら、フロアが爆発していたよ！」とか。

　９０年代の初旬でロンドン、イギリス、ヨーロッパ、アメリカで巻き起こった、今では歴史的な事件から自分の音楽的な感性の基礎が出来上り（実はロンドンの連中は、かなりスノッブなところがあり、「あれは良い、あれは良くない」、としょっちゅう言っていた。これはおかしいかと思いつつ、自分の意見を曲げなかった思いがあったが）、その当時に誕生していた世界中のアーティスト、DJ、音楽業界の方々と幸いながら出会う事が出来、本当にラッキーだなと今でも思う。そんな彼等のお会いし、音楽について語るのは好きで、この雑誌に関わるのは光栄で、また偶然でもないかと思う。そんな訳で未だに音楽とそれを制作する数々のアーティストを深究している最中、ジョナ・シャープというサンフランシスコを拠点に置く、イギリス人のアーティストと出会う事が出来、彼の話しを今回語らさせて頂きます。

　私自身は昔、某国内のレーベルで１０年前まで３年半勤めた時、結局企画がダメになったがトニー・アレンのリミックス・プロジェクト（Alex From TokyoとIsao Kumano氏のTokyo Black Starになる前の組み合わせのリミックスとロン・トレント（彼のは結局待ちに待ってエディットとなったが）のリミックスがカップリングとして１２インチ・シングルは出ましたが。本当でしたら、ジョー・クラウゼル等もリミックスを制作する予定でした）を宣伝するため、マイアミのWinter Music Conferenceを中心に、アメリカを横断する出張を、このトニー・アレンのプロジェクトを共に行なっていた峰打太郎氏（彼はその前にJVC Victorからのフェラ・クティの再発シリーズを監修、また今や伝説的な国内レーベル、Bellissima Records、Idyllic等のA&Rをも勤めていた。又一時ロンドンに渡し、Bellissima Recordsの UK支部を立ち上げ、精力的にレーベルの日本のアーティスト、Silent Poets、Nobukazu Takemura(名作『Child’s View』は海外のDJには彼の精力的にロンドンのトップクラブ・ジャズのDJ、ジャイルス・ピーターソン、パトリック・フォージ、ウィルバー・ウィルバーフォース等のKISS FM、BBCのラジオ・ワン等のラジオDJ、クラブDJ等に宣伝活動により、未だに人気がある)）と共に、サンフランシスコ、マイアミ、ニューヨークへ今考えたら、夢みたいな出張に旅立った。不思議なところ、偶然にもトニー・アレンも同時期にSF、マイアミ、NYの全米ツアーを行なっていました。トニー・アレンの70年代にリリースされた４枚のソロ・アルバムの国内再発のために契約交渉するために電話連絡しか出来なかったが、その時初めて本人と出会える事が出来、ラッキーに３カ所でトニー・アレンのライブを見る事が出来た。NYではトニー・アレンを全盛期のボディ＆ソウル（ヴァイナルで行なっていた頃）で見る事が出来た。その時、日本から応勢の音楽関係者の方々も来ていた事も思い出す。善き時代であり、今ではあり得ない事かと。。

すみません、余談が超長くて。。。まずサンフランシスコに行った時、到着した否や、次の日には色々なレーベル、アーティスト（当時某レーベルからCDをリリースしたばかりのキッド・クレイトン、ハイログリフィックスの連中、ウェストコーストのハウス・シーンを代表するGreyhoundレーベル主宰／サンフランシスコの伝説パーティー、Wicked主宰兼DJで今年のゴールデン・ウィークにDJハーヴィーと共にに西麻布のElevenで共演を予定しているDJ Garth、テリー・テムリッツ、Ubiquity等々）とミーティングが予定されていて（マッ、少なからず今後に某レーベルから作品を出したいと思いつつ、何らかの言い訳も作らなければ、こんな出張を行かせてくれなかったので、取りあえず上司に見栄えが良く見せるように色々なレーベルとアポを取った。もちろん、何かしら契約を取りそれらのレーベルの作品をリリースしたが、すべては出せなかった。テリー・テムリッツの２枚組作品集は個人的に出したかったが、社内制作会議で却下され、本人とシスコで会った時御断りしたらかなりムッとされ、その時から嫌われた）時差ボケが凄かったが、昔Daisy World、レコード・ショップ、バロング、エレキング誌、グローバル・チレッジの立ち上げに手伝っていた友人の片岡綾子嬢の紹介で、Spacetime ContinuumとReflectiveというレーベルを運営していたジョナ・シャープと会いたく、彼に早速SFのタウン・ホール近辺の公衆電話（2000年には国内の携帯電話はまだアメリカで使えなかった時代でした）から連絡し、「市営バスに乗り、終点に着けば、そこで車で拾うよ」と言われ、どこに行くのか解らず。取りあえず彼の指示を信じバスに乗った。ゴールデンゲート・ブリッジを渡り、Sausalito（グローバー・ワシングトン・ジュニアが同名曲をライヴ・アルバムの中昔出していたな〜とふと思いつつ。また後に知ったが、Wax Poetics US誌のリック・ジェームズの「Super Freak」が収録されている名作『Street Songs』の制作過程を語った記事でわかりましたが、同町に７０年代の名作ロック・アルバムがレコーディングしていたスタジオ、The Record Plantもこの町にある。Eagles、Fleetwood Mac（今でも超大好きな名作『噂』もレコーディングされた）、Journey、Sly Stone、Jefferson Starship（不思議にすべてのこれらのバンド等は子供の頃から良くAMラジオで流れていて聴きまくり、本当に今でも大好きだ！）等のアルバムはThe Record Plantで制作され、あの魔法なサンフランの名スタジオで無数のロック系のビッグ・アーティストの名アルバムのサウンドに憧れゲットするため、リック・ジェームズも自身の今で言うシグニチャー・サウンドを得る為に、『Street Songs』をThe Record Plantレコーディングされた。そのうち、この長編であるリック・ジェームズの素晴らしい記事を掲載出来ればと思っています。皆さんに是非読んで頂きたい）を通り過ぎ、あの『スター・ウォーズ』、“インディー・ジョーンズ”シリーズの制作者や映画監督であるジョージ・ルーカス等の無数のセレブリティーの豪邸を構えているマリン・カウンティーへ行きました。

　バスが終点に付いたら下車し、確かに数分誰もいなく、ちょっと不安になったが、突然７０年代のフォードのサンダーバードを乗っていたジョナ・シャープが現れた。まるでアメリカの黄金時代の名車で登場したジョナにはビックリ仰天した。ジョナとは初めて出会ったので、取りあえず挨拶し、映画でしか見た事のない、超ビューティフルな彼の車を乗り、彼の自宅に連れて行ってくれた。車に乗りながら、ジョナは自慢げに、この中古車を購入した時、トランクにハービー・ハンコックの『Headhunters』、クラフトワークの『Autobahn』等々何本かの８トラック・カセットが入っていて、本人は驚いたと言いつつ、その８トラック・カセットを見てくれて、自分もかなりビックリした思いをした。２０００年に８トラック・カセットを見るのと、普通のカセット・テープを手に触れるのが今どちらが驚きなのか、ふと思うね。その一昔にカーク・ディジョルジオもジョナをSFに会った時、それらの８トラックを見せられ、同じく驚いていたとジョナは言っていた。

彼の自宅に到着したら、心地良さそうな1階建ての一軒家に入り、離れにスタジオがある小屋に連れて行ってくれ、その時Ubiquityのレーベル・マネージャーのアンドリュー・ジャービスと共に制作していたトラックを聴かせてくれた。聴いたら、超驚いた！　まさにフューチャー・ジャズ・ファンクでした！　結局、このトラックはそれから変容し、Ubiquityから出ていたシリーズ『New Latinaires 2』に完成されたトラックが収録されていたが、あまりにも変わっていたので、あの初めて聴いた時のマジックが消えていて残念に思った事を思い出す。また、ジョナ自身はちょっと前に、とある機材メーカーがネット上多数の場所（スタジオ等）で、多数のアーティストが同時にレコーディング出来るソフトを開発し、そのソフトウェアの発表会の話しをし出した。ジョナはそのライブでDJ役を勤め、他のバンド・メンバーは何とハービー・ハンコックがキーボードで、ベースにはマーカス・ミラーが弾き、ドラマーも誰だか忘れたが大物がプレイし、ジョナはDJとしてイアン・オブライアンの『Gigantic Days』に収録されている曲「Where Does The Past End and The Present Begin?」をかけ、この大物がジャムしていたという話しを聞かされ、又もや驚いた！

また、ジョナはスコットランドのエジンバラから、シェフィールドに移り住み、その後、ロンドンに活動の拠点を移し、全盛期のアシッド・ジャズ等の作品のレコーディングにセッション・ドラマーとして音楽活動を始めドラマーとしての腕が一流であったので、スタジオにはドラム・キットのブースもあった。ジョナの音楽を長年フォローし、やはりドラマーとしてのセンスが現れていると思った。緻密なジャズ要素が含まれる、ドラム・プログラミングを気付いた方は私自身も同様に他のファンも少なくはないかと。最近、ジョナ自身と話していたら、旧友であるRub’n Tugのトーマス・ブロック（DJハーヴィーとMap Of Africaをやっている）の自宅に遊びに行き、多くのディスコ、コズミック音源とエディットものを紹介され、頂いたと言っていましたが、サルソウル、フィリーの名ドラマー、アール・ヤング等のドラム・スタイルとテクニークの凄さを夢中に話していた。

初めてジョナと対面したのだが、なぜかあらゆる彼の今までの音楽活動やその他の音楽話が無限にフローし始め不思議な感じをした。例えば、数年前にこんな今ではあり得ない凄いメンツで、日本でパーティーを開催したら当時だったら盛り上がりそうな、カール・クレイグ（今では全盛期と評されている初期のPlanet-E音源を出していた時期）、４ヒーローのディーゴ（ドラムンベースの創成期で、Reinforcedが盛り上げっていた頃）と３人で当時のアメリカでしたら非常に先駆的な全米ツアーを行なった。しかし、残念な事にあまりにも時代が先駆けていた顔ぶれだったので、シカゴのクラブに行なった時には数名しかお客さんが来なく、また他の大都市でも同じ事が起こったという苦労話とか。



また、今やアメリカ国内でファット・ボーイ・スリム、ケミカル・ブラザース、エア、ロイクソープ、ベースメント・ジャックズ等をライセンス・リリースしているレーベル、Astrelwerks　(Virgin Records Americaの傘下レーベル。要はメジャー・レーベル)からアメリカを拠点に置く、初期のレーベルの看板エレクトロニック・ミュージックのアーティストとして1991年にアーティスト契約し、最初は90年代の初頭に幾つかのアルバム（『神々の糧』(原著 food of the gods, 1992) 小山田義文訳、中村功訳（2003年）、 『幻覚世界の真実』(原著 True hallucinations, 1993)京堂健訳（第三書館）（1995年）の本を執筆した作家、哲学者、サイケデリック活動家であるテレンス・マッケナと、同名Alien Dreamtimeという、当時先駆的なマルチ・メディア・イヴェントで共演ライブを行なったライヴ音源『Alien Dreamtime』（1991）と『Sea Biscuit』（1994））を、他のイギリスの先駆的なエレクトロニック・ミュージックのアーティスト、Future Sound Of London（『Lifeforms』(1994)、『Cascade』(1996)、『Dead Cities』(1996)）、ミックスマスター・モリスのIrresistable Forceの90年代のチルアウト傑作で渋谷にある同名レコード・ショップの名前もインスパイアされた『Global Chillage』、フォテック『Modus Operandi』(1997)等々を、完全にその当時デトロイト、シカゴ、NYとその他の地方都市で巻き起こっていた国内のアンダーグラウンドのクラブ・シーンとダンス・ミュージックが無視に近い時代に、まだヒップホップがようやく旺盛になりつつある時、無頓着だったアメリカのレコード市場向けに国内リリースされ、レーベルのサポートを得ていた。しかし、次第に90年代の後半になると当時盛り上がっていた、より一般的に若いロック・ファンには解りやすいエレクトロニック・ミュージックの新ジャンル、ビッグ・ビート（今は聞かないジャンル名ですよね。。。）のイギリスのアーティスト、ケミカル・ブラザース（1995年にファーストの『Exit Planet Dust』をリリース）、ファット・ボーイ・スリム（ヨーロッパではSkintからリリースされ、1997年に大ヒットした『Better Living Through Chemistry』）、エア、カシウス、ベス・オートン、ベースメント・ジャックズ等のよりコマーシャルなダンス・ミュージックをリリースし出し、1999年にAstrelwerksからの最後にリリースされたSpacetime Continuum名義のアルバム『Double Fine Zone』の時期、マイアミのウィンター・ミュージック・コンフェレンスのレーベル・ショーケースのイヴェントでは９０年代ではレーベルを引っ張るアーティストでしたが不運にもジョナのレーベル担当者が首になる不運な事も起きながら、その時に既に異端児（＝思ったほど彼の作品は恐らくアメリカでは売れなかった、また浸透されなかった）と勝手に見なされ、ケミカル・ブラザース、ファット・ボーイ・スリムの前に屈辱的にイヴェントの前座役を勤めさせられ、ジョナ自身は苦い思いをした。

またAstrelwerksとの契約と同時進行に自身のレーベル、Reflectiveも精力的にリリースを続けていたが、ちょうど９０年代の終わりに、Clear （アズ・ワン、ドクター・ロッキット、ジェダイ・ナイツ、メタマティックス、プレッド、クラッターボックス等々をリリースしたレーベル）、グローバル・コミニュケイション（トム・ミドルトンとマーク・プリチャードのユニット）、カーク・ディジョルジオ（A.R.T.レーベル）といったイギリスのテクノ勢の流通を支えたディストリビューターであるR.T.M.（多分）が大手のディストビューター、VITALに吸収合併され、この手のテクノを出していたレーベル、Clear、ジョナのReflectiveも余儀なく切られた。それでこんな最悪なダブル・パンチをくらって、1999年ぐらいからReflective自身はレーベル活動を休止せざるも得ない状況に陥った。

また、ハーバートとは彼がデビューする頃から交流をしていて、ジョナ自身が初めてハーバートをサンフランシスコに招聘し、またその時ハーバートの元パートナーであるダニー・シチリアノ自身はジョナ自身の子供のベビーシッターであり、紹介した事も語ってくれた。昔からジョナの日本での伝説は良く聞いていた。９０年代の中旬に日比谷野音での野外フェスで、フィラ・ブラジリア等の海外勢と国内の新鋭アーティスト／DJ（アートマン、Por Zack、Susumu Yokota、Kei Nakayama等（間違っていたらすみません。自分の記憶も定かではなく、また実際にこのイヴェントには行っていないので）共演したり、細野晴臣のレーベル、Daisy Worldからミックスマスター・モリス&ジョナ・シャープ名義で『Quiet Logic』を発表したり、今の国内のチルアウト・シーンに多大な影響を与え、僕自身が音楽業界に入る前には既に日本ではカルト的な人気があった。私みたいなオッさん、４０歳以上のクラバーには無数の感動を与えたかと思う。

以上



ポジビジョン誌のReagenzの記事：フル・ヴァージョン

　『このアルバムは素晴らしい。バランスが良くて、陳腐でない、良質なディープ・ハウス、過酷ではないテクノ、チルアウトのトラックが勢揃いで、凄く才能溢れる二人の“ミュージシャン”からの期待通りの良質なエレクトロニック・ミュージックの内容だ』と、Reagenzのメンバーであるスペースタイム・コンティニュアムのジョナ・シャープとMove Dのデヴィッド・ムーファングの旧友でもある、本誌の読者に取ってお馴染みのミックスマスター・モリスが褒め讃えた。1995年に元々それぞれのレーベル、ReflectiveとSource からリリースされ、又2007年にElectric Soul Classicsのシリーズの中、Spiral Recordsからも再発されたReagenzの一作目から、何と十数年ぶりに二人はこの東京で再会。来日中、彼等は渋谷の某秘密スタジオで３日間レコーディングを開始し、デヴィッドの本拠地であるドイツのハイデルバルグとジョナのサンフランシスコをお互い行き来し、『Playtime』というReagenzに取って２枚目のアルバムを完成させた。去年末にドイツの注目ハウス・レーベル、Workshopからまずリリースされ、３月末にはMusicmineからライヴ・テイクがボーナス・トラックとして収録されている国内盤が出た。

　最近Move DはWorkshop、Smallville、 liebe*detail、Running Back等から良質な作品をリリースし、また彼のライヴ（モジュールとRedboxのパーティーにもこの２年行った）が急激に定評されていった。ジョナ・シャープは、細野晴臣氏のDaisy Worldからリリースされた『Quiet Logic』作以来ミックスマスター・モリスの未だに出ていない新作をプロデュースし、ザ・デッドのドラマーであるミッキー・ハートと仕事をしている。90年代初旬からエレクトロニック・ミュージックの最前線に立って活躍しているこの名プロデューサー等がReagenzのユニットを再始動する事を初めて聞き、個人的に彼等の大ファンなので、喜んだ。

　ミックスマスター・モリス曰く、「彼等は常に時代を先駆けている事をしていて、その時代のトレンドには気にしなく又真似せず、よりタイムレスな作品を制作している」。なぜこの二人が共演する時、超越したエレクトロニック・ミュージックを作り、そのライブを行う事が出来るのだろうかと思った。Reagenzの２作にも深く関わり、彼等の同時来日とレコーディングを仕掛けた東京在住の、Spacetimeのリチャード・シャープに諸々聞いた。

　「私は渋谷にとあるスタジオを６年間構築するのに関わっていて、ようやくその頃起動に乗り、Reagenzが復活するのにいい機会と環境だと思い、またジョナ自身は長くデヴィッドと何かをしたいと言いつつ、どうすれば良いのか解らなかったので、彼に手を貸した。東京はクールな場所で、二人が音楽に集中出来る環境だろうと思い、このスタジオを提供した。また、このスタジオを彼等見たいな才能のあるミュージシャンに試して貰いたかった」このスタジオはどんな機材が揃っていて、彼等は何をどのように使ったのでしょうか、と聞いた。「彼等は使用した事のない、ジミ・ヘンドリックスやキング・タビーがダブのミックスを制作するために使っていた名器である1969年にイギリスで製造されたサウンド・クラフトのミキシング・ボード、レアなムーグのモジュラー・シンセ、アープのシークェンサーとシンセ等の多くのヴィンテージなアナログ機材を使い、特にデヴィッドはコルグのポリ・アンサンブルを気に入り、のめり込んだ。レコーディングには、プリンスが使用していた80年代のドラム・マシーン・サウンドが出るリン・ドラムが使用され、彼等はまるで子供のようで、“アッ、ヤバい、あのクラップ・サウンドだ！”と興奮していた。まるでジョルジオ・モローダーのスタジオみたいな名器揃いのスタジオなので、マジで技術力と経験がなかったら簡単に使いこなす事は出来ないほどなので、彼等だったら操る事が出来ると思い、提供した。本作の中多く聴こえるが、スタジオにしかない多くの80年代のシンセを使用し、興味深い事に彼等は80年代に使用した方法ではなく、よりハウスっぽい、熟練された独自のサウンド、違い形で使っていた。機材事態はそのままだったが、あの二人が演奏しない事ではなく、何が演奏されている事がミソだった」。二人でレコーディングする際に何か特別な相性はあると思う？「はい、二人の間何かがあるね。ジョナ自身はレコーディングの最中、凄くプログラミングに関し堪能で、常に活動的で、一方ではデヴィッド自身はいつもプレイしていて、レイドバックだった。またデヴィッドはローランドのジュピター４アペジエーターを演奏し、私だったらテンポを定めるが、彼は同期せずDJ感覚でシンセのピッチをその瞬時に調整し、有機的な美しいリズムとグルーヴを出していた」。

　ジョナ自身にもデヴィッドとのコラボレーションについて聞いた。「私に取って、他のアーティストのコラボレーションするのはいつも楽しく、特にデヴィットとはお互い一緒にいる時作業のペースが早い。お互いアイディアを素早く投げ合い、ふざけない。東京でのレコーディング時には、短い期間の中、３日間で５曲をレコーディングし、多くの事が出来、達成感を味わえた。デヴィッドとは、同じ部屋で作曲する事が多く、そんな機会は稀である。本作を完成するのに、東京、ハイデルベルグ、サンフランシスコで３つか４つのセッションで完成した。我々はお互いの持ち味のサウンドに対し尊重し、何を完成させたいビジョンが明確だった。事前に計画はあまり立てず、お互いその時何を気に入っているのかを話し合っただけだ。奇遇にも、フレッドPがフィーチャーしている曲「Keep Building」に関しては、デヴィッドがフレッドPの新曲をプレイし、それにインスパイアされ、制作した。その当時計画したのではなく、フレッドPがまた結局この曲に歌う事になった。我々は、ただマシーンを点け、音出しを開始し、未知の道に歩み始め、いい感じの場所に辿り着く事を願うのみだ。最終的にデヴィッドと作業する際、我々は楽しんでいる」。

　前作と比べ、本作のレコーディング過程は似ているのか聞いた。「だいたい似ている。マシーンをいじくり回し、楽しんでいる。デヴィッドと私は、長い間音楽活動をしていて、スタジオでのレコーディング作業とライヴの手法は凄く似ていて、それほど事前に計画は立てない。ライブの時も、事前にお互い深く話し合って３０％ぐらい計画し、残りは即興演奏するため身を任せる。何が起こるのか解らない、常に予測出来ないハードウェア機材をステージに用意し、瞬間の為に大きな間隙を設け、フロアで何が起きているか反応する為である。各ライヴは別物だと思っている。色々な問題発生を想定出来るように、事前にプログラムされているのではない。我々に取って、即興演奏出来る間隔がある方が面白い」。使い勝手が難しいアナログ機材を使いながらレコーディングとライヴにも、同じ感覚で下準備はそれほどせず、昔ながらのオールドスクール感覚で一発録り、しかも直にDATに録音し、後でコンピューター上での編集作業を行うのは並外れた熟練とした経験と技術がなければ出来ない事なので、Reagenzの二人には驚くばかりだ。

また、Reagenzの二人は、あらゆる楽器を操る事が出来、近年忘れ去ろうとしている昔開発されたエレクトロニック・ミュージックのレコーディング技術とライブ演奏の手法をこよなく愛し、現在にも進化をさせようとしている。

　リチャード曰く「要は演奏と楽才に尽きる。彼等がレコーディングする際、完成された楽曲にほぼ近い状態だ。前作同様、コンピューターに頼らず、すべてその瞬時に生演奏し録音され、後でいい箇所を探り、編集する。事前にバランスを確保する為に下準備を入念に行う。ジョナ自身は常に言うが、もし録音する際に演奏する場合、練習ではないので間違いをせず1回切りなので、集中しなと言われる。そのやり方には賛成だ。」

　Reagenzは『Playtime』をリリースする前に一昨年から世界中でライヴを行っている。二人とも、ソロでは長年ライヴを行っているが、『Playtime』のリリースに合わせて、Reagenzとして初めて共にライヴ活動も開始。一昨年の夏に、定評のあるイギリスのエレクトロニック・ミュージックの野外フェス、Freerotationに出演し、また去年の夏にNYのMOMAで毎夏開催されるPS1にも出演を果たし、デトロイトのMovement、モントリオールのMutek、マイアミのWMCにも出演依頼があるほど前触れの評判がジワジワと世界中に回っている。今年の２月には、８カ所のヨーロッパ・ツアーを行い、ヨーロッパを代表するクラブ、ロンドンのファブリック、フランクフルトのロバート・ジョンソン等に出演を果たす。まるで昔のプログレ・バンドやエレクトロニック・バンドのように、808ドラム・マシーン、ノード・モジュラーのシンセ、多くのイフェクト、アナログのディレイを持ち込み、一度ジョナ自身はプロ・ワンを持って行ったほど、昔ながらのスタイルでエレクトロニックなライブを繰り広げている今時不思議なライヴだ。ジョナ曰く「デヴィッド自身は、本作で多くのギターを演奏していたので、今回のツアーでプレイした。彼自身は、凄くいいギター・プレイヤーで、ジャズとか、ボッサ／ラテン・スタイルを演奏する事が出来、本作の「Dinner with Q」（注：Qとはクィンシー・ジョーンズで、彼に因んだ曲でもある）ではそのボッサ・スタイルのギター・プレイを聞く事が出来る。良いぐらいにハウスのグルーヴにギターをはめているかと思うね」

　ジョナにハードウェア、アナログの方法に拘っているか聞いた。「個人的にはどうでも良いが、自分のスタジオではハードウェアを使うが、なぜそうするのかと思うと、本質的にコンピューター・ミュージックとエレクトロニック・ミュージックは全く別ものだと思うからだ。エレクトロニック・ミュージックとはマシーンを操る。多くのコンピューター・ミュージックは自動的なポスト・プロダクションなのだ。ハードウェアの使用の場合、その場で正確に作業を行う事だ。凄く単刀直入なのだ。このような音楽を制作し始めた頃インスパイアされた音楽は、シカゴの初期のハウス、デトロイト・テクノの今やクラシックスから、ウェンディー・カーロスが手がけた『時計じかけのオレンジ』のサントラ、ヒューマン・リーグ、クラフトワーク等、マシーンを操るエレクトロニック・ミュージック、１００％マシーンで制作された音楽でした。これらの音楽には、不完全さが聴こえるがその固有さ加減が良かった。今は技術革新により凄く便利になったが、テクノロジー自体がその音楽がどのように聴こえるのかが決定付けている。多くの今の音楽にはクリーン過ぎ、量子化されすぎていて、タイミングが良すぎていて、私に取ってつまらない。我々は現在の音楽には、多くの暖かみと特徴がなくなりつつあるかと思うね。『Playtime』のレコーディングの後半に、デヴィッドと私は、凄く美しいサウンドを出す、1984年に出たオーバーハイムのOB8のシンセ（注：デピッシュ・モード、ジミー・ジャム、プリンス、ヴァン・ヘイレン（恐らく「Jump」）、ポリス等使用した）を入手し、本作に使った。この手の機材は我々が好んでいるもので、また我々の源でもある。だが、コンピューターでも凄い事が出来ると思い、アナログものに拘りすぎている訳でもない。本当のところ、我々に取って結果が良ければ、何でも試す。ルールなんかはない。

以上

JONAH SHARP interview about Reagenz

KH: Let me know your thoughts about recording with david again?

JS: collaborating for me is always a lot of fun. Because especially with david, we work pretty quickly together. We bounce ideas backwards and forwards very quickly. As is usually when you are collaborating, we tend to not mess around too much. The 1st recording session that me and david did for this new album, happened in Tokyo. We only had 3 10 hour days. And we managed to get a lot of things done in a very short time. With some very unusual equipment which was wired together quite strangely. We manage to write 5 tracks in 3 days. That’s what happens when you have a time limit, obviously we were in Tokyo together for a very short time so it’s very satisfying when that happens since sometimes, you can sit on your own for 3 days and not even do 1 track. So, yeah, that was kind of how it goes with me and David, we tend to only write when we are together in the same room and that does not happen very often. The album really came together with about 3 or 4 sessions, in Tokyo, Heidelberg and in San Francisco. Yeah, it was pretty quick which is very satisfying for that to happen. So it was great. It is usually the way in colloboration.

KH: Do you prefer setting a time limit and being in another country, like the 1st session (in Tokyo). Without any usual distractions of daily life, etc.

JS: It worked out really well. But we kind of have a quite a big understanding of each other’s sound and we were quite clear about what we wanted to achieve.

KH: So, you talked about it before.

JS: Not at all but we spent a lot of time talking about what we were into at that moment in time. We actually, funnily enough, the track with Fred P. on it, was actually inspired by listening to a his new record, the day before. David played me one of Fred P’s new record and it kind of inspired the track, Keep Building. He ended up singing on. Although that was not planned at the time. We kind of had something in mind, we wanted to achieve. We did not talked about it but it just happens, you know. You really never know what is going to happen when you get together with someone. It’s not the kind of thing that you can plan in advance. You can’t say, Oh, let’s do a house track… We just start making noise and it takes you down a road, not quite sure where the road is going to go but hope that it will lead to somewhere good.

You were there, Ken. You kind of saw how it unfolded.

KH: Yeah. For me, it was a very special occasion. I never get a chance to see both you recording together and of all places, Tokyo.

JS: It is a funny old thing. We weren’t planning to make a record. I guess we were but. It was just turn on the machines and see what happens. But ultimately, we are having fun. The good thing about working with David is he is really good fun to work with. We really both enjoy doing it.

KH: The Shibuya sessions, it was the 1st time in over 10 + years that you tried to make music with David.

Was it similar to how you guys made the 1st Reagenz album?

JS: Pretty much, yeah, I say so. Very similar vibe. Having fun with machines. Checking out what each other is doing. That’s pretty much how it goes. Me and David have been doing it for a very long time. Its actually pretty similar, our studio work, the method is quite similar to our live show, as in it is not planned that much. For the live show, we plan about 30%, is stuff that we really talked about and the rest of it is left open to improvisation. We do take hardware equipment on stage which is always unpredictable so you never know what’s going to happen and how it is going to turn out. We just leave a huge gap for the moment and try to react to what’s going on in the room, how the crowd is feeling about stuff. You just don’t know. We played at Ultrack in Holland, it was this festival situation where there was a lot of people who really wanted to hear a lot of beats so things came out a lot harder than the night before, where we playing at a small club. We had more time so we spaced things a lot more. It is always going to different. It is not like a pre-programmed thing where we know what’s going to happen. It’s kind of boring doing in that way, anyway. It makes it more interesting for us if we leave a lot of room for improvisation.

KH: What is you guys usual set up while playing live.

JS: Well, the last tour, it kind of depends on how close to home you are. We played in Moscow, Russia, we had quite a big gear rider, we don’t take all of the equipment with us. We rely on the promoter to provide the mixer, cable, power supplies and all that kind of stuff. In our Russian show, they just did not have the gear rider. They were like, “what gear rider?”. So, for those shows, we pretty much performed with a laptop and a delay. But the shows closer to home, closer to Germany, we take a lot more stuff. 808 drum machine, Nord Modular, quite a lot of effects, analogue delays, I think I took a Pro One to a show. Really, at the end of the day, anything that we can get our hands on, we will use it.

Yeah, there was a lot of guitar on the album so we wanted to reflect that into the show. David is a really good guitar player so he managed to nail it. That was a feature of the last tour which we will probably do it next time as well since it worked out really well. Since people really responded really well to it.

KH: Feb tour of Europe, david played a lot of guitar.

JS: Yeah, he was busting it out, every gig which was actually a first for him. Don’t think he ever done that before.
Playing it live. Back in the 90s, guitar was not considered hip so I think he kept quiet about it. He is actually a really great guitar player, he can really play jazz, ……………

KH: In some of the stuff that he has released, for instance the Conjoint stuff, his guitar playing is brilliant.

JS: he is really great at playing bossa latin stuff. He has a really good feel for that, which kind of comes through with the track, Dinner With Q., you can really hear that bossa guitar background. He really managed to mix it in with the house sound. It is kind of quite a unique thing.

KH: It is not like a cheesy latin house.

JS: It is like an influence of that sound. I am really happy with all that. Next, we are playing at the Freerotation festival in Wales in July and we are talking about completely different. We were talking about a show without our laptop. We don’t need it, we just need….. David just bought a Akai MPC sequencer and I think we are gonna bust that out. Yeah, its all about keeping it interesting and trying new things out wherever we can.

KH: so, nothing is fixed all the time.

JS: No, nothing ever is fixed really, gotta keep it interesting.
But I am kind of excited about doing this no laptop show. The laptop is such a nice thing to rely on because you always know what you wanted to do. I think it makes you a little bit lazy. But back in the day, we never used to have laptops. So, we always used to do it, with hardware. That was the only way. I think there is a big…. I keep hearing records that sound like they are made with hardware, these days. Often they actually are. But some people, use computers and try to make them sound like hardware. Trying to put the timing errors, try to sound like hardware which is pretty hard to do with a laptop. But I think that people do really appreciate seeing someone really sweating, having to really work it. Yeah, I think that is what we are going to try. At the end of the day, we are not making rules for ourselves, whatever works best, as long as it sounds and fun for us, we will do it.

KH: So, you prefer the hardware, analogue way?

JS: Personally, don’t really don’t really care. Personally in my studio, I am rocking a lot of hardware because I actually believe that computer music is completely different to electronic music. Like electronic music being machines. It is a different thing to manipulating sound with a mouse. A lot of computer music tends to be post production automation. You record something and you manipulated with a mouse afterwards. With hardware, it is kind of more about doing it right, there and then. It is very instant. Really, a lot of music that inspired me in the beginning when I started to do this kind of music, it was all kind of machine music. A lot of classics, pretty much a lot of the old Chicago Detroit, a lot of the old dance music that I really like and going right back to Wendy Carlos, Clockwork Orange S/T, that is all machines, Human League, Kraftwerk. You can really hear machines in the background, the imperfections which make it so unique. It’s really quite impossible for any 2 artists to sound the same cause everyone’s got different machine wired in different ways. It is just going to sound different but now, you got situation where hardware is really difficult for a lot of kids to buy since it is so expensive. Everyone, a lot of young musicians have to rely on identical software, Ambleton, Reason, or whatever. I hear a lot of music that just sounds the same. Everyone’s using the same tools, and using the exactly the same reverb, same delay, Ping Pong delay in Ambleton, I can spot it a mile off.

KH: Even if they twick it, does it sound the same?

JS: Obviously, some people are better at it then others but if you are just starting off, a lot of people rely on software that comes with it, people are using the same drum sounds. Also, the technology dictates how the music is going to sound, a lot of music I hear is so clean, ultra quantized, perfect timing. That to me, starts to sound really boring and same as hearing a lot of guys/ girls djing digitally, all the crackles and pops and imperfections, just disappeared. Now, you got Traktor you can auto beat match music, so the mixing starting to sound boring. It is a personal thing but some people love it. Some people don’t know any different. Some young kids, don’t know any different, this is what they are use to but you know, we have definitely lost a lot of the warmth and character of music. I actually think people are starting to notice it which is why some producers are starting to get things more……

Me and David got hold of a Orberheim OB8 synth for the 2nd part of recording the album. David went and bought one in Germany as well. This is a really old synth which came out in 1984. Beautiful sound. It is what we like, it is kind like where we are coming from. That’s what comes when you are old.

KH: Knowledge and experience.

JS: Indeed. Maybe.

KH: Or people don’t know about it.

JS: I think people do but at the end of the day, listeners just if it sounds interesting, they are going to like it but most people don’t know or care how it is made, they just want it sound good. It is part of the process.

Also, what makes us excited which is still kind of older gear. But then again, computers still do great things and we manipulate the computer to bits as well. It’s not like we are all sitting here with a drum machine and synths. We use synths and drum machines and put it thru the computer and do that on top. Really, whatever it takes to make it sound interesting to us. There is no kind of rules.

KH: Do you think there is more choice compared to 15 years ago?

JS: Yeah, it is actually a bit of a problem because there is such a huge element of decision making in making electronic music now. It is very easy to get your hands on with a huge pallet of sounds.

KH: do you think less is more?

JS: Yeah, this is the thing, if you only have a few machines, you are very limited in your choice of sounds. So, you are going to make what you have work maximum. If you are staring in a computer screen, you got 3,000 bass drums, you can actually waste a lot of time making decisions as to what bass drum do I use. If you just got a couple of things that do one thing really well, you can spend more time fixing the bass drum sound that you have to make it sound the way you want rather than scrolling thru endless list of different 909 kicks. The basic 909 sound can sound a thousand different ways depending how you EQ it or tune it. 909 kick, you can twick the crap out of it in all different ways, eq, compression, kind of limitless. I just think a lot of people waste a lot of time, finding drum sounds or bass sounds since there is so much choice. You have to be very decisive. But also, of course, if you have a very clear idea with what you are after, in your head, to know where you are trying to go, it could be a bonus to have so much choice but you have to be at top of what you are doing.

KH: During the course, process of recording tracks with David during the limited time that you had with him, you guys work quickly with limited choices of things that were in front of you.

JS: Well actually, in the case of Tokyo session, we actually had a lot of choices. We had 3 drum machines. There was a Linn drum, 808, & Roland CR78. So, that is a lot of sounds from those 3 machines. The combination of those 3 drum machines, is pretty limitless, really. We had that huge Moog modular, that no one knew how to work expect Richard. There was a lot of choice. The palette of sounds that we had were not limited but limitless in that particular machinery. So, we just went to work with what we had. We had a crazy Korg, what was that String machine? There was this really mental String machine which only got about 4 sounds in it but we used that a lot.

There was a Sound Craft mixing board from the late 70s that had been used by mad professor. A lot of the stuff (that we were recording) was running thru that mixer which gave it, a kind of sound. The mixer became an instrument on those sessions.

KH: was there a big difference using the Sound Craft?

JS: Oh yeah, because a mixing board, when it is a board like that, it really becomes an instrument because it has a certain sound. Also, it makes a kind of hiss which is kind of desirable. A bit of quality analogue noise which is a good thing in the background. That board has a kind of fat, warmth to it which you will never get from a Mackie.

You just not going to get it. The mixer helped shape the sound. Also, the bad cabling, they were the worst cables ever in the studio and that was all part of it. But that’s going back to that thing where every studio sounds different it is wired up thru a cable to a mixer, even if you have the same gear, it is just going to sound different everywhere you go. It is interestingly, on that session, on that Keep Building, that was 100% live from 2 track. We did overdub, obviously Fred (P), and we overdubbed a few sounds in Germany. The actual take that we used, was a live take. It was an edit from a 30 minute jam. We actually multi-tracked it as well at the same time but we couldn’t replicate the element of human real time mixing and arranging. That is absolutely a priceless thing when you play the track live and improvise it and write as you go along. You can never re-produce that later. We tried but you know what, the original take, was the one. All of the Tokyo sessions came off of DAT player in the studio. It is what it was.

KH: were you happy recording on DAT, stereo?

JS: You know what, it was all we had. It was fine. It worked. We were really happy with what we did which is why we put it out. Ideally, you try to give yourself a bit more control but that session was, it is what it is. What we got, was what we got. We were really happy with it. That is why its there. It is just series of circumstantial happy accidents.

KH: with all this technology at your disposal, you still are happy with this human element, chemistry that develops with David, you just go with the flow.

JS: with music, really, often, human colloboration can really produce, can sometimes produce better results.

It is kind of like A + B= C

Especially with the live show, personally it is more interesting to watch 2 people than 1. And the interaction between those 2 people. Often more entertaining to watch, rather than 1 person sweating away up there, trying to hold their own, can be…. But when you have 2 people, they are more relaxed and a bit more interaction. I think it is more interesting.

KH: Would you want to have some other musician, drummer, bassist, someone else playing with you guys or are you quite comfortable playing live with David.

JS: There is always room for a guest. In fact, last year, in Germany, we played kind of a more chillout show.
And we had a guitar player who played on Conjoint. He is an old friend of David. He came and sat in the show and played a bit on a jazz guitar. Fred came in guested when we played at PS1 last year which was quite a logical thing since he was on the record. In the spirit of jazz, people come and sit in here and there. Always for it. Guest, all there is. Me and David have a spirit of jazz in us, so there is always room for that. We are happy playing together. We have done stuff with Fred. People coming in, always room for that.

KH: Getting back to live show, you said that 30% of the element is prepared and other elements are not.
During the course of the live, I guess you are playing certain tracks, and you and David are playing drum machines, keyboards, etc. can you explain a bit on that?

JS: Well, in the last tour, we used a 808, when the drum machine was on the airplane, something happened and the machine lost the ability to save patterns. So, basically, for every single show, the machine was empty. So, I just programmed it pretty much at sound check and would write parts when it is running. So, you can’t get more improvised than that. And David was rocking the Nord Modular. It is sort of a synth that you program with a computer. Funnily enough, it works best when it is running on OS9. So, David had a computer on stage with OS9 and running this weird Nord Modular software. So, some people were looking at it saying, Wo, what is that?

90s technology. But he would write patches on stage. The first time he did it, I was terrified since I did not know he was that good at it. He is actually really fast at the Nord. A lot of the time, we were writing and programming live which was pretty scary at first but I realized we can do this so. There is a huge amount of confidence doing that sort of thing. I guess we done it so much. Really, if we pre-programme absolutely every bloody thing beforehand, you really leave yourself no room to try things out. That element has to be there for us, to make it more interesting otherwise, you may as well play a CD, you know. It just makes things really unpredictable. And it makes us, honestly, when we listen to a recording of a show after, such fun for us hear what we did. Obviously, we were cringing at the mistakes there is always going to be bits that don’t sound right but that’s what makes the show interesting. Because our imperfections, bits that get a bit out of control, in a lot of electronic music, you don’t hear that, you hear a lot of shows that are all perfect. Obviously, someone sat down for a few weeks to program this little bit, you are going to hear the same thing every night but that is not the case with us, that is the way it has to be.

KH: During Feb in Europe, you wanted to do more shows, which live will be better, eventually going into the cassette. Did you feel, from the beginning and towards the end, you guys got much better, or were each shows different.

JS: It kind of evolved. It kinda of got more interesting. We were writing songs throughout the tour, adding bits, here and there. We wrote new tunes and new ideas came out thru the tour. So, by the end, the last few shows, we ditched some of the songs that we did at the beginning of the tour and played some of the new ones. It kind of was evolving and we kept the best bits. Bits that always worked, we kept. Some things, we let go, and there was new bits.

KH: Although it is electronic, but it is kind of different versions and it becomes more refined.

JS: Exactly, if you are doing it every night, you just kind of get better at it. There were some things that sounded good at the beginning and we said, you know what, done that 5 times, lets do something else.

KH: So, you are looking forward to coming back to Japan to perform.

JS: I am totally looking forward coming back to Japan. I love Japan. YMO record, “I love Japanese, Japanese are crazy.”

KH: What is the difference between European audience and Japanese audience.

JS: European audience are harder to please.

KH: For the Feb tour, were they quite receptive. Though you went to different cities and countries.

JS: In Ireland, they were so up for it. We were playing in clubs that were really small and I can quite honestly say that the whole kind of techno thing is like a global language, everyone understands the same language. People pretty much hear the same records in Moscow, Ireland. You hear people playing Larry Heard everywhere. But the small clubs, I think that , for the Irish gig for instance, very small and a couple of hundred people, (the people who invited us) they were young promoters who went to a lot of effort to get us out there so they were there to hear us. Everyone who was there, came because they were interested in seeing our show.

KH: In Ireland, they knew about you beforehand.

JS: And somewhere like Fabric, they is like 15 djs.

end

an interview with Mixmaster Morris, about Reagenz and etc.

KH: What did you think of the album, Playtime?

MMM: It is very good. As you would expect from a pair of very talented musicians. It is a lot more dance floor than the first one.

KH: But it has been a while since they recorded together. 10~15 years ago.

MMM: The first one was 1995. It is funny how, one would think it will do another one afterwards but it takes 15 years. But they are in opposite (sides of the world), David is in Germany and Jonah is in SF so long way away.

KH: One of the reasons why (they got together again) was because of the reissue of the 1st album out of Spiral Records in 2007, for the Electric Soul Classics series.

MMM: The album is a timeless record and I don’t think it is dated. Still sounds very good as to all of their other records from the 90s. They were so far ahead of their time. New generation of kids, listening to those, were not around 15 years ago. And because they did not follow trends and make something trendy at the time, they made it more timeless and it lasts for more longer of a time.

KH: During the re-issue of Electric Soul Classics series releases, many people knew about the Larry Heard, Two Lone Swordsman, As One, Ian o’Brien’s albums but did not know of the Reagenz 1st album. But when they heard it, they thought it was pretty good and have not heard it before, was the reaction.

MMM: Reagenz 1st album was only released on Source Records (Move D’s label) and on Reflective (Jonah’s label). 2 independent and quite small labels.
Probably not in the mainstream of dance music. People don’t know about it and did not have much press than the bigger DJs. But they kept the profile up since they (continue) to do lots of good work.

Do you think Jonah’s sound evolved the past 10 years?

MMM: Sure because he has been working with bands with different styles, most recently with The Grateful Dead who he has been in tour with. Certainly help his profile in US. Cement his legendary status, I think. Especially in California. It is ironic that the clinic where Jerry Garcia died was very near where Jonah used to live (in Marin County).

How was the live show of Reagenz at Fabric (in Feb, 2010)?

MMM: It was great, people loved it. Fabric is the flagship techno club in London now.

KH: they played with Lawrence and…….

MMM: Yes, Lawrence and an American DJ called Levon Vincent. He was a big fan of me, Jonah, everybody.

KH; They were well received!

MMM: Yeah, they were well received and the place was packed out. The album was dancefloor friendly so (it worked well). If they had done the 1st album in the main room, people could not dance to it so much.

KH: Were they playing more of a dance set?

MMM: they did all the dancy tracks off the new album. Since it was like a main room set. The downside of Fabric is that you tend to get 3 rooms of techno at the same tempo. Nobody plays anything down tempo or ambient.

KH: this Playtime album has a balance of nice deep house, bit of techno side, ambient/ chill out.

MMM: It is housey without being cheesey, techno without being oppressive, just general quality electronic music from 2 experts.

KH: the music can be done live.

MMM: yes, it can be done live and people will have no difficulty dancing to it.

KH: Did you see them at the Free Rotation festival (2 year)?

MMM: No, David played last year and was there but I did not go 2 years.

KH: Hearing the new album, what do you think David and Jonah’s music has evolved over the years? David is doing a more house tip now.

MMM: I think they are much more confident because mid 90s,

Move D is more popular, he is getting more bookings and it is good to hear that he is getting more DJ bookings since I think he is a very good DJ.

I remember trying to get him DJ gigs in London 10 years ago but it was impossible.

Quality electronic music, techno is having a resurgence now because certainly, people are getting bored of trance music going on all night.

KH: or minimal music.

MMM: sites like Resident Advisor are doing a lot to bring back, good electronic music.

Controls moved away from big dance music magazines to more slightly specialist websites. You can’t fake it anymore now since people can check out your music online before they go and see you so. For artists who have been doing it for such a long time, now some of us are getting a bit of an award.

KH: Do you think it was great timing for them to release the album now?

MMM: Yes, clearly.

KH: Do you think there will be a resurgence of chill out music because artist who have been producing this sort of music have also been releasing new albums again?

MMM: Ummmm, It is still damn hard to make a living releasing chillout music.

Trying to think of more David stories…..

We did a great festival together in Copanhagen called Tripping On Sunshine. 90s, 1996, 1997. Still one of the best ambient events ever. About 10,000 People in a park, all for free, around a lake, with speakers up in the trees. And DJs hidden up on top of a hill so no one would stare at them. Just beautiful music coming out from around the lake. Then, we did an after party at night which was not free but it paid for everything else. That was a really good way of running an event. I remember David’s DJ set at that was really great. He played a bit more Drum’n Bass for that one, actually. I remember playing this really great Photek so that would mean, the festival was in 1997.

I remember him saying, he did not want to do gigs and never wanted to be a DJ.
The next time I saw him, was in Rainbow 2000 in Japan. Me, Jonah and him played together there. I said to him, I thought you did not want to be a dj and he said that he just wanted to come to Japan. The big one in 1998, I only did one with The Orb, Hardfloor.

We left about 2 or 3 in the morning and after we gone, we found out that Hosono had played later and we missed. I was gutted that we did not see that.

KH: You and Jonah released an album out of Hosono-san’s label.

MMM: That’s right. Quiet Logic

KH: How did that happen?

MMM: Hmmm, that was 12 years ago…

KH: Was that after Global Chillage?

MMM: Yeah, sure, that was (released) in 97. How did that happen?

KH: Did Hosono-san, say, “oh, let’s do an album.”, was already released elsewhere?

MMM: No, no, no, only released in Japan. We went into Hosono’s house, the YMO studio to do it. That’s is where we got the title, Quiet Logic because Quiet Lodge is the YMO studio.

KH: alright. Did you do the album in a week, 10 days, a month?

MMM: We did it about 4 or 5 days. We did sort of 1 track, a day. We did not see Hosono-san in the daytime but when we come in, in the morning, he would have done something and put a few little bits on the track. So, he kind of liked to do it on his own when we weren’t there.

KH: So, he was part of….

MMM: Yeah, he collaborated on the record. I remember using a new Korg mixer, digital mixer that was brand new and nobody knew how to use it and
We had some problems with it, trying to understand and we couldn’t read the manual since it was in Japanese so

But that record is very collectable and often sells for 300 or 400 dollars now.
So, I wish I had more copies.

KH: Was there a vinyl release?

MMM: Was there are a vinyl release, no.

KH: just cds

MMM: Yeah, if you see a vinyl, that’s really rare because I have never seen one.

KH: So, compared to, you know when you, Jonah, Richard and everyone were doing parties in London in the early 90s…

MMM: The early 90s were an age of naivity and age of discovery and everything was new. There was only a few thousand people making electronic music back then but now, there is a few million in every country.
Seems like everyone’s got a computer, has got some free software and some loops. I know that everyone thinks they are a DJ so that’s the ultimate democratization of music, isn’t it.

KH: True

KH: Do you think that sort of spirit will come back, chillout, ambient music coming back.

MMM: Sure, there is at least, as much chillout music made even now. It is just very little exposure for it. You tend to not read it in the magazines and not hear it on the radio, not hear it in clubs. But isn’t gonna stop people from making it.

True

I am always discovering people. I just started to listen to this guy, Ariel Dieai, he is from Italy. And he has already made 52 albums which I did not hear before. 1st 20 were cassette only and the rest, only in Italy so nobody hear it.
As soon as I heard, thought this guy is great and so wanna get him over to London soon.


VARIOUS
‘ZAUM | Vol. 1′
Info: A selection of Italian ambient works, specifically composed for this release. Compiled by Enrico Coniglio & Emanuele Errante, this is a stunning mix of beat & non-beat pure ambient tunes that shift between isolationist & glacial atmospheres.
Format: CD
Cat. No: PSY 029

KH: Getting back to the Reagenz live, do you think it is well worth checking and bringing them over to Japan, for them to play and stuff.

MMM: Yeah, definitely.

KH: Do you think it will rock Japan? People will be receptive of their live?

MMM: Sure

KH: In an outdoor situation or in club situation or.

MMM: It is definitely very club friendly and you talking about “real” live electronic music. There has been so many acts, who do a live PA where there is not very much live, with those 2 guys, you know that they have years of experience actually doing live electronic music and it is not fake. So, it is always different every time, you never quite know what is going to happen. Things go wrong sometimes. Sometime broke down in the middle of a set in London but …. That just proves, it is all happening live, you see.

end

a talk with Richard Sharpe, old friend of Jonah Sharp & Mixmaster Morris, about Reagenz.

KH: Tell me the process of how you got David and Jonah got back together in Tokyo in 2008.

R: Jonah had been doing this transatlantic recording with Morris and it had been doing on for a long time and I felt his frustration. It is a difficult thing to do. And I really appreciate these musicians and it is kind of tragic to have this potential can’t realize because of the distance and then, I heard that David was coming here or something for a gig, so, Oh, so this is good news and I thought I could bring Jonah over and play around since we were mates. Get them together. So, the idea came into my head and then, so called Jonah and how about that, and so he says, oh brilliant! And he was a bit down about the recordings with Morris. So, we can do a Spacetime party, I could bring him over at Spacetime which I did. Funnily enough, Morris came at the same time and so they could do a live performance at Spacetime, with Morris singing. But meantime, I had this studio in Shibuya and have been working on it, building this place for about 6 years. And then, pretty much cooking, you know and the perfect opportunity to kind of reagenz going. Jonah was saying for a long time that he wanted to do something but don’t know how to. And so, Tokyo is cool. Because it is not like Germany and not San Francisco. They don’t have their family and things like go wash their car, etc. They can get into, focus on the music and that’s it. I was encourage to being able to do that. Because when they did the 1st reagenz album, we were all together and David stayed at my house, and Jonah was just around the corner, in San Francisco. I like circles of, we doing work, we worked 10 years ago or whatever and have a chance to do it again. So, I wanted to test this studio abit as well, with other kind of, they are really great musicians, actually.

KH: I guess you couldn’t have imagined what would come out.

R: Well, I knew it would be, it is fairly similar to the original Reagenz album in some ways. Cause they got a style but I had no idea (what would happen).

They were working with instruments that they did not have before and there were lots of like, particularly, David was using this Korg Poly Ensemble. It is a Poly synthesizer. He just really loves it and they kind of hit it off. So, this sort of thing sometimes happened with instruments.

KH: Was it instruments which were there or?

R: Yes, the instruments were there. So, for the recording, we used a Linn drum, which is 80s classic (drum machine) kinda, which Prince used. They were like kids, kept bashing the clap sound, (and saying)” Oh, it is that clap sound!” You can hear that in the recordings, the bass drums. There was a lot of 80s synthesizers in the recording. But it is really interesting how they are using them, in a different way to how they used it in the 80s.

KH: How were they using it?

R: Well, it just had a more housey, mutual sound. I don’t know but the instruments did not change, it has got to do with David and Jonah. Maybe what don’t play is to how much they play. But they got this….

KH: Is it their chemistry when they get together physically?

R: Yes, it is their chemistry. Jonah is very proficient with the programming and very, very active and David is kind of playing and much more laid back.
Well, you were there and kind of saw it as well.

KH: Well, it was kind of the 1st time I ever went to the studio. 1st time I ever saw these 2 guys, like boom! Start something. I did not what? I guess a lot of producers have their own thing, in the way they work. But for me, I just listen to the end product and go WOW! Of course, I wanna know every little detail. All I remember is, as soon as they started, with everything hooked up by you, Jonah, we are all there. And it is like, 1, 2, 3, go and things started happening and thought to myself, WOW, what the hell is happening?!

R: Yes. Wiring up the system, I have been building it up for months for that because the more cables you got, nothing is MIDI, it is all controlled voltaging gates and this kind of things and the more time you take with it, you can get a phenomenal sound. So then, my job was to make sure that there was not that much hiss and noise. The interesting thing is listening to the album, it is not much different from the recordings as they were made. By that I mean, they recorded all instruments in separate tracks but also recorded on DAT tape. And they will just edit the DAT tape.

KH: Kind of like old school style.

R: Very old school. It is about playing, that’s musicianship. Of course, I am not saying that making music on software is a bad thing or anything, it is all good, anyway to make sound is valid. But they just start playing, it is very similar to the end product, very similar to what was going on in the studio which is kind of cool and good to be able to see that happen in front of you.

KH: From the 1st Reagenz album, it has been 14~15 years, that period in itself, both of them gone their separate ways to refine their craft.

R: Yes. Definitely. It is interesting to see David playing guitar on it and you know he is doing interesting things as well, he had a Roland Jupiter 4 appegiator, usually, if we just me, I would have clocked it the center bang, bang, bang. But he does not do that. Because he is a DJ mixer, he speeds up the record, so he can beat sync, and he was doing that with the Roland. So, independently, it is running on its own time clock, and he is syncing it in. This is quite surprising for me because it slightly goes out of sync over 32 bars, but that is beautiful.

KH: But somehow, he gets this groove going.

R: Oh yeah, it is part of the groove. That is it. It is this kind of organic, gorgeous, rhythm.

KH: which is not synced.

R: He does that quite a lot I found out. He will have 75 percent of it synced but there will be 1 or 2 things going, almost but not quite but they are.

KH: It has kind of like a “live” feel to it.

R: Yeah, it is called “groove”. Some machines have a groove button on it so that it will swing more.

KH: But nature swing.

So, you have seen them live a number of times.

R: In Vancouver last year and that was really great.

KH: (Do you think that Reagenz) Is the recording process to the live, is that interlinked?

R: When I saw them live, there were using the tracks that they recorded for the album, pretty much, then mixing all that up live. And plus extra TR 808 drum machines and some other synthesizers. Its 2 guys working together on stage but they don’t know what exactly what’s going on but have a telepathic sense (between each other).

KH: They are enjoying what they are doing, performing live on stage

R: Yeah.

KH: You were there when the 1st album was recorded in SF, can you tell us about that experience?

R: Suddenly, David was in SF. Then, he came first and then he came back. But all of a sudden, he was staying in at my house, there was 3 or 4 of them from Heidelberg, video guy and some other guys, his friend. A lot of “this” was going on non-stop and there was a lot of buzz about Reflective at that stage. It just got going and somehow reflective got really popular in Europe and in those days, you can sell 500 records in a week. Reflective Records had all the hologram stuff and we were making it all the covers and there was a lot of creativity going on so, then, SF was really like a magnet and some really interesting people came through. And David being one of them. But that recording, all DAT. Because there was no. We did not have computers at the time, we did not use them. Had a emac samplers, Elises sequencers, we would do loops that way. It was all played live and edited. It takes a lot of time to get the balance right. So, they were mixing it, live. Record a lot. You can record hours of DAT and find the right sections and.

Jonah, he always teaches me, if you are going to play it, this is it. It is not practice so do your best and don’t make a mistake in a melody or a run. Because we have to go start from the beginning. Can’t cut it out, if it is recorded to stereo. If it is recorded to multi-track, it is a bit easier but…even so, its, I like that approach of, let’s bang it, let’s do it.

KH: Some producers say that the 1st take is probably the best.

R: Yeah. If you do the ground work and have and get the studio “cooking”, everythings working, you don’t have to start going to the back to put this cable in, because it brakes the vibration. Again in SF, Jonah’s studio, that was amazing, he always had a ton of stuff. Just meters of synthesizers. It was funny.

KH: It was like a playground

R: Oh yeah, great!

KH: Studio in Shibuya was quite similar

R: It was similar but it was much more expensive. Because it is got a Moog modular synthesizer which are rare, especially one in good working condition. It was a real pleasure, it was like kids getting a chance to drive a lambogounis or something. Oh, we got ferrari’s now. Now, there is a lot of modular synthesizers so. And things like Arp sequencers and synthesizers. We rarely get a chance to work with that kind of caliber of equipment. It is getting into the league of Giorgio Moroder or something like that. We had this Sound Craft, 16 into 2 mixer which is the same one Jimi Hendrix would use. King Tubby uses it for his mixing and dubbing. It is great. You hardly had to touch it. You just put the instruments in, and it already sounds just great. Its old, they made it in England in 1969.

KH: Mad Professor has a huge one in his Ariwa Studio.

R: That Sound Craft, I hunted for 18 months around the world looking for one. You can not find one for the love of money. And they are mostly dead.
Suddenly, we found one in France, in a little country town and this guy had one. Ok, so send it over and we got it and its lovely. We used that in the recording session as well.

Of course, Roland space echos which gives it a real ambience, the delays and stuff sound really great and you can play them, I mean they are effects boxes but instruments in itself. So, Jonah likes a lot of knobs. I remember these funny things, habits of Jonahs. When he was recording, not so much with Reagenz, but for Sea Biscuits (album), when he did the final recording, he would have different people, turn that knob now. To a old woman, because he couldn’t. he only had 2 hands and too many knobs. It is kind of fun.

It is very interesting since it kind of has elements of freeform, improvisation.
But to do it, you really got to know your stuff and, they know what they are doing, the house groove, inside and out. It is a pleasure being in the room with them, qwhen they are doing it.

KH: also, ambient chill out kind of vibe.

R: Then they would go off into that as well. It is working on different levels.

KH: They know how to make jazz, house, ambient records, they have so much loads of styles to work with.

R: Jonah started in punk. He started as a punk drummer in 1977 when he was 15 years old. Very young. And then, going thru the 80s, he had a lot of experience in jazz in London, Gee Street Records, Stereo MCs, etc. he played on (artists from) that label which I can’t remember the names of them. But it was this whole scene of live London scene of jazz and synthesizers and he was drumming with it. And he also was a drummer for a French chanson singer. Jacques Buliel singing Gainsbourg. Jonah has also got this really great lounge drummer, also there is a live music scene in Germany so David is playing guitar, bass, etc. So, it came through. So, they have a ton of experience. They can pull from it, that’s what makes the ambient so special in some ways.

Well, they did not jump on ambient. They developed it. Of course, Brian Eno and people before. Ambient music of the house generation, they were there from the very beginning, as opposed to hearing it for 2 years and deciding to be ambient musicians, that’s not what was going on at all. There was a real original sense which is magical to see. Morris was involved with that. He was also, that was where it was coming from. The Orb, KLF and stuff, you know.

KH: For me, ambient chillout music to me, there was like amazing stuff being released in the 90s, and still is but it is in the background now, it is a reall shame.

R: Isn’t it.

KH: I think that people should listen to deep ambient music wherever, even in the dancefloor. This kind of fixation………………

R: It also really surprises me that Jonah is really known as ambient musician but really, he is techno. If you hear some of his techno stuff, is this the same guy so interesting.

end

以下は、Musicmineからリリースされた、Reagenzのアルバム『Playtime』に関するインフォです。

‘08年夏に突如再結成、ヨーロッパ各国/北米のフェスに
ライブ出演し、各地でハイライトを飾った話題のユニットreagenz（レアゲンツ）による待望のフルアルバム。
※日本盤のみの独自仕様（別バージョン曲を追加収録）。
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reagenz
（レアゲンツ）
“playtime”-Japanese edition-
（“プレイタイム” -ジャパニーズ・エディション- ）
2010.3.24 On Sale
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型番：IDCA-1042　/ 価格：￥2,310（税込）　　※海外盤CDは現在廃盤となっております

ジャンル：洋楽/クラブ・ディープハウス・テクノ・アンビエント　　レーベル：Workshop/Musicmine

発売元：Musicmine（03-5774-5509） / 販売元：ユニバーサル　ミュージック

※楽曲PV/映像素材(YouTubeリンク他)有り

＜「reagenz – “playtime”」作品紹介＞

現在、シーン随一の影響力を持つといわれるダンスミュージックサイト[RESIDENT ADVISOR]（http://www.residentadvisor.net/）においてベストDJ 100に2年連続で選出（’08年23位、’09年30位）され、又同サイトの’08年ベスト・ライブ・アクト10でも3位に選ばれた人気アーティスト”Move D”ことデヴィッド・ムーファングと、再結成グレイトフル・デッドのエンジニアであり、ミックスマスター・モリスから絶大な信頼を得るサンフランシスコのアンビエント・マエストロ、 ジョナ・シャープによるユニット、“reagenz”（レアゲンツ/ドイツ語で “試験管”の意味）による、実に15年振りとなるフルアルバム。　

使用機材は本作レコーディングの数週間前にジョナが拾ったという80年代のポリシンセ：オーバーハイムOB8にNORDモジュラー・シンセ、ローランドTR808（ドラム・パートの大半を扱う）、Ableton Live（彼らいわく「タイムキーパーとして使用しているがいまだに安定していない」）、ヴァーチャル・コルグMS20、アナログ・ディレイなど。　これらを使ったいくつかのレコーディング・セッションによって生まれたパーツをトリガーした素材と、デヴィッド（Move D）が演奏するギターなどのライブ・ハードウェアとをミックスさせる形でレコーディングとライブの両方を行なう。　いわく「機材を可能な限りクールに働かせる意味と、同時にライブの際に観客や自分達の興味を喚起し続けるため」このやり方を選んだとのこと。つまり、今回のプロジェクトは当初からライブPAとしての可能性の追求と、スタジオワークとライブとの相互作用という点に重心を置いたものだった。 その結果、本作『playtime』には、ライブ中に生まれた無数の即興要素や予期せぬミックスがふんだんに使われることとなった。

ジョナが弾くベースとデヴィッドのギターなどの生楽器にアナログ・シンセが絶妙に絡み合うサイケデリックなハウストラックM-1から、前作『Reagenz』（’95年リリース、’05年Spiral Recordsより再発）に収録された同名曲のリメイク版M-2、東京在住のアナログ・シンセ・コレクターのスタジオで制作され、本ユニット再始動の契機となったM-3、ブギーなリズムが印象的な、妖しくクセのあるダンストラックM-5、北イングランド郊外で行われている同名パーティーから題材を得たと思われるエクスペリメンタルトラックM-6、ヴィンテージ・シンセの暖かい響きが印象的なノンビート曲M-7、彼らと親交の深いNYの黒人モダン・ディ－プハウス・アーティスト“フレッドP”（a.k.a. Black Jazz Consortium）のポエトリー・リーディングをフィーチャーしたM-4とM-8（国内盤のみ収録）まで、美しくも冒険心に溢れた意欲作。

＜収録楽曲（全８曲/収録時間：約78min）＞

1. Dinner With Q （ディナー・ウィズ・キュー / 13:47）
2. DJ Friendly Remix （ディージェイ・フレンドリー・リミックス / 8:13）
3. Shibuya Day （シブヤ・デイ / 6:46）
4. Keep Building feat. Fred P （キープ・ビルディング・フィーチャリング・フレッドP / 13:17）
5. Confidence （コンフィデンス / 7:23）
6. Freerotation （フリーローテーション / 4:47）
7. Du Bist Hier! short edit （仮 ドゥ・ビスト・ヒア！ショート・エディット / 約15min）
8. Shibuya Day feat. Fred P – Live at P.S.1
（仮 シブヤ・デイ・フィーチャリング・フレッドP –ライブ・アット・ピーエス・ワン/ 約10min ※国内盤のみ収録）


エレクトロニック・ミュージックがしばしば抱える問題として、アーティストの多くがシンセサイザーを目的達成のための単なる一手段として扱ってしまう傾向というものがある。　だが本作『Playtime』で印象的なのは、レアゲンツが明らかに機材や楽器の深遠な理解を持ち、知識によってそれらを導入しているという点だ。　（Move Dの）前作『Songs From The Beehive』の楽曲でそれを広範囲にわたり用いているにもかかわらず、デヴィッド（Move D）はさらにモジュラー・シンセサイザーによる新しいアプローチの方法をくまなくさがし続けているようだ。レアゲンツはその可能性をライブに見出そうとし、それらの成果はこの作品の中に見事に調合されている。　間違いなく年間最優秀アルバムの候補となるべき一枚だ。

＜レジデント・アドヴァイザー　4.5点／5点満点＞

＜レアゲンツ　プロフィール＞

reagenz（レアゲンツ）は現在サンフランシスコ在住、サウンドエンジニアでもありSpacetime Continuumなどの名義で活動しているアナログシンセ使いの名手“ジョナ・シャープ”と、ドイツのレーベルSource Records主宰、音響エンジニアリングを学び、大学講師としての肩書きも持ちつつ、自らアーティストとしても多くの作品を残しているMove Dこと“デヴィッド・ムーファング”の２人によるユニットである。94年、サンフランシスコで行われた『オウテカ』のライブショウで知り合った２人は意気投合、翌年にアルバム『レアゲンツ』を発表、エレクトロニック・ミュージック・シーンにおいてコアな評価を得るも、その後両者は次第に個々の活動が中心となっていくようになり、レアゲンツは事実上自然消滅したかに思われた。ところが ‘08年、東京で行われた『オウテカ』のライブショウで２人は知人を通じて再会、再び共同で楽曲制作を開始し、’08年後半からはヨーロッパや北米の音楽フェスに度々ライブ出演、即興性と構成力の両面が際立つ素晴らしいライブPAを展開してダンス・ステージのハイライトを飾り、一躍センセーションを巻き起こす。　2010年、レアゲンツは現在ヨーロッパとアメリカの８ヶ所でライブがブッキングされており、来日公演も予定されている。


＜Jonah Sharp　プロフィール＞

英国エジンバラで生まれ、シェフィールドで成長期の大半を過ごす。　ドラマーとして音楽活動を始め、ジャズを学ぶ為にロンドンに移住、その後ジャミロクワイらを輩出したACID JAZZレーベルのセッション・ドラマーとして活動していた時期もあったという。　やがてロンドンのエレクトロニックなクラブカルチャーと出会い、ミックスマスター・モリスとUK初のチルアウトルーム・パーティー『THE SPACE TIME』をスタート、自身もDJとして参加する。　『THE SPACE TIME』はビョークやKLF、Shamenのメンバーなども姿を見せる伝説的なパーティーだったといわれる。　レイブ・カルチャーの喧騒が一段落した90年代初頭、レイヴァー達はカーム・ダウンし、ポスト・サマーオブ・ラブを模索する時代の空気の中、ジョナはモリスらと共に新しいフリースタイルなチルアウト・シーンを開拓しようとしていた。

そんな矢先、Shamenの初期メンバーでジョナの旧友でもあるリチャード・シャープという人物が、バンドのアメリカ・ツアー中サンフランシスコにたどり着いた際、バンド内で不和が生じ、その場で脱退するという出来事が起こる。　リチャードは当時台頭しつつあったサンフランシスコのレイブ・カルチャーに惚れ込み、そのまま移住を決意、その時ロンドンにいたジョナを自分の作品のレコーディングの為にサンフランシスコへ呼び寄せる。　ジョナはこの地で『SPACE TIME CONTINUUM』という名前でソロ活動を開始、Reflective Recordsを設立し、初ソロ作『Fluresense EP』をリリース（’93年）、アンビエント全盛期という時代性も相まり、世界中で注目を集める事となる。　その後ジョナはソロ作のリリースを続ける一方で、様々なアーティスト（ビル・ラズウェル、ピート・ナムルック、テツ・イノウエ、テレンス・マッケンナなど）と活発にコラボレーションを重ねていき、その中の一枚がデヴィッド・ムーファングとの共作で、同名義での前作となる『Reagenz』（’95年）である。　当時を知る者は後年このように語っている。　「ジョナはアナログ・シンセを操る魔術師的な才能を持っていて、特にライブの制作時はずば抜けていた。　ジョナのスタジオにはヴィンテージ・アナログ・シンセがずらりと半円形に並べられていて、まるで70年代初期のハービー・ハンコックのスタジオ・セットみたいだった。」

　ジョナは近年、グレイトフル・デッドのドラマー、ミッキー・ハートのプロジェクトでグラミー賞を受賞した『Planet Drum』の新作のエンジニアを務めたり、昨年行なわれたグレイトフル・デッド再結成全米ツアーにエンジニアとして同行する一方、ミックスマスター・モリスの最新アルバムの制作を手がけるなど、レアゲンツ以外でも精力的に活動中。　また、自作の新音源の制作にも取り組んでいるという。

＜David Moufang（Move D）プロフィール＞

ドイツ・ハイデルベルグ出身。　祖母がクラシック・ピアニストであった音楽一家に育ち、クラシック・ドラム/パーカッションとジャズ・ギターなどを学ぶ。　幼少期は両親のレコード・コレクションであるピンク・フロイドやクラフトワークなどを聴いて育ったが、彼によると人生で最も大きな影響源となったのは、その当時父親と一緒に観た、スタンリー・キューブリック監督の映画『2001年宇宙の旅』だという。

青年期に入るとバンドでギターを弾く傍ら、クラブで「エレクトロやジャズ、ファンクなどをミックスする」スタイルのDJをしていたが、’89年に友人の誘いで行ったクラブでデトロイトテクノや808ステイト、Nexus 21や初期のアンビエントハウスなどの新しいエレクトロニック・ミュージックに出会い、人生が一変。　自身もこのようなエレクトロニック・ミュージックを制作する事を決意、Source Recordsを立ち上げ、ヨナス・グロスマンとのユニット『Deep Space Network』のファースト・アルバムをリリースする。　その後はMove D 名義でSourceのほかWARP、Fax、Electroluxなど様々なレーベルでリリースを重ねていき、彼の作品は『シカゴハウス/デトロイトテクノとウィアードなエレクトロニック・ジャズの両方の要素を含んでおり、その音楽は時間と抑圧が中断されたスペースそのものであり、それを聴く事はあたかも音の中での甘美でけだるい冒険のようだ』などと評される。

近年、デヴィッドはさらにダンスフロアに接近、『モダン・ディープハウスの旗手』と目され、現代的なハウス・グルーヴをベースに、生来の持ち味である空間性を追求したメロウでサイケデリックなエレクトロニック・ミュージックを展開、シーンがドライなミニマルサウンドを通過し、有機的な音楽に移行していくのと呼応するように、彼特有のサウンド・プロダクションはますます注目を集めている。　デビュー以来、常にシーンと一定の距離を置いた独自のスタンスで活動を続けているデヴィッドだが、最近ではRESIDENT ADVISORが選ぶ’08年ベスト・ライブ・アクト10の中で3位に、’08年ベストDJ100の中で23位、’09年は30位に選ばれるなど、いま最も注目されているアーティスト/DJの一人である。

もちろん、彼の活躍は現在でもダンスフロアだけに留まらず、ピート・ナムルックとの共作ではスペースド・アウトな長尺アンビエント作品をコンスタントにリリースし続ける一方、ベンジャミン・ブランとのユニットではよりディープ＆エクスペリメンタルなエレクトロニック・ミュージックを追求、Jamie Hodgeとのプロジェクト『Conjoint』ではドン・チェリーやファラオ・サンダースの作品にも参加暦のあるベテラン・ジャズ・ヴィブラフォン奏者Karl Bergerを招いて、エレクトロニック・ジャズを独自に解釈したサウンドを展開するなど、その音楽性の拡大・探求に余念がない。

Last bank holiday (too many wicked parties to go 2 4 sure weekends in TOKYO), Alton Miller came to Japan and spun a total of 3 dates (nagoya, tokyo salon, hayama beach spot) and went back. This time was a real quicky but got a chance to check him out at Tokyo salon. And it was also a very healthy time, starting around early evening sunday afternoon. I think the smart people went to see Alton spin and then went to other night parties! It is always a mighty pleasure, checking out Alton spinning for a couple of hours, gradually getting the groove going and eventually hitting it nicely! Cheers for again, an amazing, cool, calm & collected DJ experience, coming from one of the masters!
先週の連休時に、アルトン・ミラーは計3回（名古屋、東京サロン、葉山）でDJして去った。今回手短かに来日はしたが、青山のラスチカスの地下の東京サロンでのDJを長くチェックしに行った。しかも、夕方からのサンデー・アフターヌーンのイヴェントだったので、健全な時間で。やっぱ４〜５時間じっくりアルトンのDJを聞くと、ジワジワとプレイし、最終的にやっぱ敏腕なヴェテランなDJっていいよね、と改めて思うね。今回も最高！　アルトン、ありがとう！

But time and again, while Alton is over here, am always hanging out with him, ready to go out and about…. Eventually, we went to bonobo (a personal favourite spot for Alton while he is over here, he loves it! he even DJed there last spring!) then to check out Mark Farina@Eleven, then to see Theo & Maurice Fulton@liquid room. Theo looked lean and sharp & for some reason, Maurice Fulton was djing with his feet hurt. I hope he recovers. That was not my plan for the night but one goes along, if you know what I mean. There was no time to go to Unit to check out Rich Medina, it would have been nice.. Like I said, too many parties, in 1 TKO nite. & I did my own BBQ party at bonobo, the night before as well!
その後、アルトン自身は色々なパーティーにハシゴしたかったので。。。。結局、ボノボ（アルトン個人が大の東京でハングアウトするの大好きなスポット）→イレブン（マーク・ファリーナ）→リキッド・ルーム（スリムになっていた、ハンサム・ボーイなセオ＆なぜか足をケガしていたモーリス・フルトン）に行ってしまった、そんな予定ではなかったが。。。ユニットでの本誌支援イヴェントでのリッチ・マディーナまでは辿り着けなかった。。。

また、先週急遽依頼したら、催促にアルトン・ミラーのミックスをclubberiaのpodcastにアップして頂きましたので、アルトンの最新ミックスをチェックして下さい！
http://www.clubberia.com/music/podcasts/36-CB-036-Alton-Miller/

去年末アルトンが来日している最中に取ったMusic Instituteの取材、第１弾が、御陰様に大好評だったので、第２弾の校正も終わったので、アップさせて頂きます。この第２弾でもまだアルトンの語りの１／３に過ぎないです。これから頑張ってオコシします。それで、皆様が読めるようにアップするように努力します。色々と昔のデトロイト・レジェンド話、Music Institute話しがあるので、楽しみにして下さい。

さて、第２弾をスタートします。

Ken: What sound system did you use?
どんなサウンド・システムを使っていたの？

Alton: We had Sonic bassbins, we had Peavey mids and highs, we had custom made twitter packs in the ceiling. the system was triamped. It wasn’t like the quintessential legendary club set up, in regards to the DJ booth and sound system but it worked, we made it work.
AM: サウンド・システム自体は、ベースビンはソニックで、中音と高音はピーヴィーもので、天井にカスタム製造されたツィッター・パックをぶら下げた。（サウンド・）システムは３部構成でした。DJブースとサウンド・システムに関して、典型的な、伝説的なクラブのセットアップではなかったが、上手く行き、我々は操作しいい感じにした。

Ken: So, what did you and Chez Damier play?
貴方とシェイ・デミエはどんな音楽をプレイしていたのでしょうか？

Alton: We played a lot of soulful, deep stuff, heavy on the classics. We did a lot of editing. We did a lot of edits, back then. A lot of early Blaze and the Burrell Brothers (Nu Groove) like Bas Noir, just a lot of stuff that was happening before and during that time. Early Jersey stuff, Lil Louis. What else? We played a lot of stuff that worked for us and the crowd and we were into to educating the crowd you know what I mean.
AM:我々は多くのソウルフルで、ディープなもの、クラシックスに重点を置いた。我々は多くのエディットを作り込み、その当時プレイした。初期のブレイズ、バレル・ブラザーズ、（デービッド・）ベンワー等、その当時と前に流行っていたトラックをプレイしていた。初期のジャージー（ハウス）もの、リル・ルイス、そうだね〜、他は何だっけ？　我々は自分たちとお客さんに取って心地よくプレイ出来る、受ける音源をプレイした。またお客さんに色々な音楽を教えたかった。

Ken: did you play a lot of Chicago stuff as well?
シカゴものは多くプレイしなかったの？

Alton: we played both. maybe more n.y. stuff though because by that time, we were going into the hip house thing. But I wasn’t really a big fan of the whole the hip house thing coming out of chicago you know. We played a lot of (Mr.) Fingers. Just quality stuff, very sophisticated sounds. I always like to tell people that we played for women and women like songs and if the girls came guys were going to come.
AM: 我々は両方から来たものをプレイしたが、どちらかというとニューヨークものが主流で、なぜかと言うと、当時我々はヒップハウスものにハマり始めたので。しかし、私自身はそんなにシカゴから出現していたヒップハウスものは気に入らなかったが。（ミスター）フィンガーズを多くプレイした。良質なもの、洗練されたサウンズをDJした。その当時何をプレイしていたと聞かれたら、女性客のためにプレイし、女性は歌ものが好きで、もし女性客が来たら、男性も来るじゃないか。

Whereas Friday nights, was definitely where Derrick was headed, you know what I mean. Friday night was Derrick and D-Wynn’s night. Even though he played house, Derrick’s style was more raw and very energetic from beginning to end.on saturdays we massaged the crowd cause they got beat on fridays and we had some people who would not go on fridays and come on saturdays and vice versa.
デリックがプレイしていた金曜日では、デリックが絶対に行こうとしていた方向へ向っていた。金曜日は、デリックとDウィーンの日だった。彼はハウスをプレイしていたが、デリックのスタイルはより生々しく、最初から最後まで凄くエネルギーに満ちていた。なので、我々は土曜日に客を癒していた。なぜかと言うと、彼等は金曜日に（デリックのお陰で）ヤられていたので。それで、金曜日に来ない客が土曜日に来て、逆もまた同様にあった。

Ken: Is it around the time when Derrick started producing?
その当時デリックが制作を始めた頃なのでしょうか？

Alton: Actually, before we opened the club, he was already producing. He was making stuff. It took him a bit to get some stuff out but he was making stuff. I remember going to his apartment at Wayne State’s campus, Wayne State University which is in the City. He just had a couple of machines and his dog and he was just making shit. We would go over there and he would say, “Check this out” and he would just play a loop or a song for hours with the machines running you know what I mean. It was cool man. I mean, eventually, becoming a producer, as a natural progression to DJing, Derrick had a lot of influence me because I saw that he was making music. You know, it was like, “OK, it can be done”. As a child, I had formal training, I played cornet. And I had Choral class too as well. So, I was always around music in my really early years. I just gravitated towards it. I tried other things off and on up until now but i have always come back to music.
AM: 実は、我々がクラブをオープンする前に彼は既に音楽を制作し始めていたよ。彼は何らかの音楽を作っていた。作品をリリースするのに時間がかかったが、彼は制作に励んでいた。私は、彼のウェーン・ステート（州立）大学校内のアパートに何度か行った事を覚えている。ウェーン・ステート（州立）大学は都心にあった。彼の部屋には幾つかの機材と愛犬がいて、何かの音楽を作っていた。我々彼の家に訪問し、彼は「これを聴きなよ」と言い、何時間も機材を作動しながら、作ったループかトラックをプレイしてくれた。凄く良かったよ。言わんとしている事は、DJからプロデューサーになる事は自然な進化だったので。彼に私は多く影響してくれていた。なぜかと言うと、自分の目の前で彼自身が音楽を制作していたからだ。その時、私は「そうか、（自分の音楽を作るのは）可能なんだ」と思った。私が子供の頃から、正式な音楽の訓練を受けていて、コルネットを演奏していた。そしてコーラルの授業も受けていた。なので、若い頃からいつも音楽に接していた。私は音楽に引く付けられた。もちろん、他の事もトライはしていたが、最終的に音楽に戻った。

Ken: Was Derrick May a DJ first?
デリック・メイは最初はDJだったのでしょうか？

Alton: Yes. Derrick May, Juan Atkins, Art Payne, they had a DJ crew called Deep Space. Whereas, Delano Smith, Daryl Shannon, Al Ester are part of a DJ crew called Direct Drive. Juan, Derrick, Keith Martin, Art Payne, that sound was definitely more progressive. They were playing more Italo disco stuff, a lot of Kraftwerk and definitely pushing the boundaries. Juan had his Cybertron thing going already.
AM:はい、デリック・メイ、ホワン・アトキンズ、アート・ベインはディープ・スペースというDJクルーをやっていた。その一方、デラノ・スミス、ダリル・シャノン、アル・エスターはディレクト・ドライブというDJクルーに所属していた。ホワン、デリック、キース・マーティン、アート・ベイン等のサウンドはかなりよりプログレッシヴだった。彼等は、イタロ・ディスコっぽいもの、クラフトワークみたいなもの、確実に境界線を押し上げようとしていた。ホワン自身は、既にサイバートロンとして活動をしていた。

Ken: I always wonder why Clear and all that stuff was released on Fantasy, of all labels…
いつもなぜ、ファンタシーといったレーベルが、「Clear」等の作品をリリースしていたのか不思議に思った。

Alton: I don’t know, man, I have no idea.
AM: 私には真相が良く解らないね。

Ken: How did that happen?
どのように起こったのだろう？

Alton: I have no idea.
AM: 良く解らないね。

We kind of gravitiated towards those guys in high school, my self and George because their sound was different, you know. They were making their own records. Juan was, anyway. I mean, ultimately, my sound comes from, based on heavy, heavy funk, heavy heavy soul but those guys were outer space but were funky at the same time. They were talking about cosmic cars, 7th city, blade runner type shit but it was funky and it had a nice swing to it. We could relate to it. Look it, chari Vari, same thing. A Number of Names, from Detroit, electronic. And I think (it was very ) industrial. Even Was Not Was, before they started walking the dinosaur their sound was futuristic funk. We talking about like 70s, Funkadelic fused with Detroit industrial everything, the way that people lived their lives, to employment, to art, to the way the city was run. So, Detroit as we know, is really steeped in musical history and culture. All the black people, mostly coming from Mississippi, either stopped in Detroit or went to Chicago. So, you got a heavy influx of blues, gospel, jazz and thats Detroit and Chicago, you know. I think mostly in Mississippi and Alabama people were coming from.
高校の頃、ジョージ・ベーカーと私は何となく彼に引き寄せられ、なぜかと言うと、彼等のサウンド自体がかなり変わっていたので。また、彼等は自身のレコードも既に出していたので。とにかく、ホワンはそうだった。最終的に、私のサウンドの基盤は、かなりヘヴィーなファンク、かなりヘヴィーなソウルであったが、彼等は宇宙ぽくて、同時にファンキーだった。彼等は、コズミックなカー、第７都市、ブレードランナーみたいな事を語っていて、それがファンキーで、いい感じのスウィングもあった。なので、我々は理解出来た。「シャリー・ヴァーリー」を聴きな、似ているでしょう。デトロイトから出て来たア・ナンバー・オブ・ネームズ、エレクトロニックだった。そして、彼等は凄くインダストリアルぽかった。ワズ・ノット・ワズもそうだった。ワズ・ノット・ワズが「Walking the Dinosaur」を出す前の頃、彼等のサウンドは未来系ファンクだった。70年代からのファンカデリックの要素が、その当時のデトロイトのすべての工業的な要素、市民が生きていたライフスタイル、雇用、芸術、都市が運営された方法とか、すべて融合されていた。我々が知っているデトロイトは、音楽の歴史と文化に重んじていた。アメリカの中北部の都市へと移動した、ほとんどミシシッピー州出身のすべての黒人は、デトロイトか、シカゴへと渡った。なので、デトロイトやシカゴは、ブルーズ、ゴスペル、ジャズの影響が多大だった。これらはミシシッピー州かアラバマ州から来た。

So, we closed the club. 1 year, it was open. (It) blazed for 1 year.
なので、我々は１年でクラブを閉めた。１年間燃え続けていた（尽きた）。

Ken: Why did you have to close the club?
なぜクラブを閉めたのでしょうか？

Alton: It was just things that was working against us that finally caught up with us. One of the biggest things, was that we did not sell alcohol. So, we really relied on the door to pay our bills. And just some inner turmoil, man. Just typical inner turmoil between minds.
AM: 我々に取って不利に色々な事が作用していた事が、最後に浮かび出し巻き込まれてしまった。最大の厄介な事は、我々はアルコールを販売していなかった事だ。なので、経費を支払う為に、唯一の収入源に入場料に頼りざるも得なかった。それでいくつかの内部摩擦があったんだよね。単によくある当事者同士の闘争があった。

When you work with 3 or 4 people, it is really hard to keep everybody on the same page. One person thinks one thing, the other person thinks one thing. And I ultimately think that it was really, really a big mistake for us to, one of the biggest things that hurt us too was we tried to remodel within the 1st year after it was opened so we actually had to shut the club down and tried to make some structural changes.
３〜４人と共に働くと、みんなが常に色々な事に対して合意するのは難しい。一人はある事を考えていて、もう一人は他の事を考えている。それで我々に取って最大な間違いで、我々に取ってダメージが大きい事はオープン１年も立たない内に改装工事をしようとした事だ。なので、我々はクラブを閉店し、幾つかの構造的なリフォームを試みた。

And it took us a really long time to re-open. George had this grandiose idea of really making the club, another Paradise Garage but we could not do that in the building were in. So, there were some things that he wanted to do and I am not saying it was his fault totally but we did cater to his ideals because I and Chez did not care. We just wanted the system to be perfect every weekend and remember we were all just 22 years old. So, we all went along with it. (But it was) a big mistake, big mistake. And we closed down in the winter but still had to pay our bills and it drained us you know what I mean. There were a couple of (other) factors (but) those were the main ones.
それで再オープンするためにかなり時間がかかった。ジョージ自身は、クラブをもう一つのパラダイス・ガラージにしたいオーバーなアイディアにしたかったが、所有しているビルではかなり不可能に近かった。なので、彼が幾つかやりたがっている事があり、しかし完全に彼のせいではないが、我々は彼の理想に賛成したはいたが、シェイと私にとってどうでも良かった事だったんだよ。我々に取って、毎週末（サウンド）システムが完璧であればよかった。それで思い出して欲しいが、その当時我々は２２歳でしかなかった。なので、我々は安易に同意していた。しかし、マジで大きな誤算でした。それで冬に一時閉店したが、経費を払い続けなければならなかったので、我々にとって致命的だった。その他の幾つかの理由はあったが、これらが主なものだった。

tbc…
続く。。。

去年末に来日していた時、長年お供にさせて頂いているアルトン・ミラーに、彼自身がシェイ・デミエ、ジョージ・ベーカーと共に経営していた、既に伝説化されていたデトロイトのクラブ、ミュージック・インスティチュート（Music Institute）に関するインタビューを行ったので、何度に渡り、このブログにアップします。去年は、ミュージック・インスティチュートの２０周年でそれを祝うためにツアーを行った。ミュージック・インスティチュートの真相を探りにアルトンに長編インタビューをした。なぜ真相を探りたい主な理由は、世界中長年ミュージック・インスティチュートはデリック・メイが始めたクラブだと勘違いされているので、誤解を招くためにも真実をアルトンに語らせた。ミュージック・インスティチュートは、間違いなく、後で出て来たデトロイトのテクノ、ハウス・シーンに多大な影響を及ぼした。ミュージック・インスティチュートなく、セオ・パリッシュ、ムーディーマン等々のデトロイト・ハウスの重鎮もなく、デトロイトが誇るテクノ・シーンも世界中に広がらなかったかと。たった１年間しか営業していなかったが、その影響は未だに感じる事が出来るほどの、凄いクラブでほぼデトロイトの名人が通っていた名所でした。

Part 1

Q from ken hidaka: Please tell me about how you started (your music career) in Detroit?
日高（以下からKH）：どのようにデトロイトで貴方の音楽活動を始めたのを教えて下さい？

Alton Miller: Way back, back into time. Let’s start from my high school (era) and sneaking into clubs. This is around from 1982 to 1984, maybe even earlier since my first year of high school was 1980. (Around that time) I was (getting) into clubs. (Went to check out) Ken Collier at L’ Uomo. I was checking out people like Ken Collier, Alan Ester, Daleno Smith, Daryl Shannon. Those guys were pretty much….
アルトン・ミラー（以下：AM）：大昔に始めたね。私の高校生時代とクラブに忍び込んだ時から始めよう。この時代は１９８２年から８４年で、ひょっとしてもっと前かも、なぜかと言うと、１９８０年が高校を入学した年なので。その当時からクラビングに目覚めた。L’Uomo（ル・オーモー）でケン・コリアをチェックしに行った。私は、ケン・コリア、アラン・エスター、デラノ・スミス、ダリル・シャノン等のDJをチェックしていたよ。彼等はその当時流行っていたデトロイトのDJだった。

KH：Oh really, Delano Smith, wow.
KH：そうか、デラノ・スミスか、凄いね。

Alton: Yeah, Delano Smith has been doing his thing for a long time. Especially, as far as dance music and underground dance music in Detroit, before house, he is very significant in the whole thing, for sure. One of the main DJs which I went to during high school.
AM: そうなんだよ、デラノ・スミスは昔からDJ活動をしていたんだと。特に、デトロイトのダンス・ミュージックとアンダーグラウンド・ダンス・ミュージックに関して、ハウスが誕生する前に、彼はそのシーンにかなり重要な存在だった。私の高校時代に良く聴きに行ったメインのDJだった。

KH：What were they playing?
KH：彼等はどんな音楽をプレイしていたの？

Alton: Stuff like D Train, after the death of so-called commercial disco, it took a dive into the underground, for the lack of a better term, they were playing stuff like D Train, Sharon Redd, Prelude stuff, a lot of West End stuff, a lot of Detroit stuff.
AM: いわゆる商業的なディスコの腐敗後、以降アンダーグラウンドに戻り、Dトレインみたいな音楽が登場し、それらが良くプレイされた。Dトレイン、シャロン・レッド、多くのプレルードもの、ウェストエンドもの、多くのデトロイトものがプレイされていた。

Ken: that was before techno (came out)?
KH：この時代はテクノが出て来る前の事でしょうか？

Alton: for sure, before house music, techno (came out). I guess it is called boogie now, 80s dance music.
AM: もちろん、ハウス・ミュージックとテクノが登場する前。今、ブギー、８０年代のダンス・ミュージックと言われているサウンド。

So, in my junior year of high school, I befriended the other guys who I would start the club (Music Institute) with George Baker. We would share ideas, we were likeminds, we would forge thinking in regards to fashion and art and really, really into (trying to ) pushing the envelope. We would go to these parties in Detroit and hit the clubs, we were always pushing the envelope, as far as fashion, music and what was out there. We were always looking to taking (things) a bit further, venture into uncharted territory, you know what I mean? So, George was a Fashion Institute, FIT student, after he graduated (from high school), he was a bit older than me. When I graduated, I went to Western Michigan for 1 year and he went to New York, (for) FIT. He was into fashion. I was into merchandising and he was into designing, pattern drafting. We had grandiose ideas, about starting a line, blah, blah, blah.
私の高校の２年目に、ミュージック・インスティチュートをジョージ・ベーカーと共に設立した、他のメンバーと出会い仲良くなった。我々はアイディアをシェアし合い、似たような事を考える仲で、ファッションと芸術に関して皆で考えを融合し、マジでもっと高いレベルを求め探っていた。我々はデトロイトで起こっていたパーティーやクラブに多く通い、ファッション、音楽と何が流行っている事に関し、限界を挑んだ。我々は物事をさらなる境地へ行こうとし、未知の地に行こうとしていた、解るか？　ジョージ自身は私よりも年上だったので、高校を卒業した後、FIT（ファッション・インスティチュート）の学生になった。高校を卒業した後、私は西ミシガン大学に１年入学し、彼はNYのFITに行った。彼はファッションにハマっていたので。私は商品専攻で、彼はデザイン、パターン・ドラフト専攻だった。我々はブランドを始めようとか、大きな夢を抱いていた。

At this time, between 1985, and summer of 1984, we met Derrick (May) too.

We just hit it off (with him). Derrick was coming from leftfield as well, pushing the envelope as well. He had already been going, back and forth to Chicago (to visit club scene there). Giving us the 411 about what was happening musically, etc. (in Chicago at the time). We hit it off and clicked and started hanging out a lot, sharing ideas about music, about what we thought and heard, making a couple of trips to New York, Toronto and this really broaden our views, on what was happening on a more national (level in regards to club scene in US at the time). We were able to get the core of what we knew, what we were searching for, we found that.
その当時、1984年の夏から1985年の間、我々はデリック・メイにも出会った。彼とはすぐに意気投合した。デリック自身もレフトフィールド的な考えの持ち主で、既成概念を超えようとしていた。彼は既にシカゴ（のクラブ・シーン）を行き来していた。（その当時シカゴのシーンで）音楽的に何が起こっているのかを教えてくれていた。我々は溶け込み、頻繁にハングし出し、音楽に関しての考え方、何を聴いたかを分かち合い、視野を広げるために、全国レベルで何が起こっているのかを探るためにニューヨーク、トロントに何度も遠出した。我々の音楽的な知識の中核と求めていた方向性に辿り着く事が出来た。

So, maybe around 1984, we got this idea to do a club in Detroit. So, we found a building and we were going to pattern it after the Paradise Garage. (The building) It was actually a garage. Same theme, had a ramp, it was almost the same layout, maybe not as big but. The building used to be an old Firestone sparkplug manufacturing plant. So, it was perfect for what we wanted to do. So, we (started to) work on it but in the end, found out that there were some structure problems with the building which was totally way out of our league to deal with it so we had to abandon it. So in between that (starting a club in another place), we bought a sound system, we did a couple of parties, here and there, which were really, really successful. So, I guess a year or two later, we found another building, which was 1316 Broadway. That was the place where we did the Music Institute. It took us a year to get it ready. So, we opened it in the end of May, 1988.
1984年ぐらいに、デトロイトでクラブをオープンしようと考え始めた。なので、我々は建物を探し、パラダイス・ガラージを模倣している事に決めた。探したビルはガラージでもあった。同じテーマで出入道路があり、ライアウトもほぼ一緒だったがパラダイス・ガラージよりも多少小さかった。そのビルは昔ファイアストーンのスパークプラグ製造工場だった。なので、我々がやろうとしていた事にぴったりなビルだった。それでビルの改装工事を開始したが、結局途中に幾つかの構造上の問題があると解り、我々に取って取りかかるのに予算外だったのであきらめた。なので、他の場所でクラブを始める間、我々はサウンド・システムを購入し、何回か色々な場所でパーティーを行い、かなり成功を納めた。１〜２年後、我々は他のビルを探し、それが1316ブロードウェイで、そこでミュージック・インスティチュートを開いた。オープンするのに、１年ぐらいかかった。1988年の５月に我々はミュージック・インスティチュートをオープンした。




Derrick and D. Wynn were the residents on Friday night and myself and Chez Damier were the residents on Saturday. So, there were actual 3 owners of the place with a silent partner, myself, Chez Damier and George Baker and the silent partner. And that is how it was. We were open for a year and we wanted to, the intent of the club was to give back something to Detroit, in the spirit of what we had seen whilst traveling to different cities, based on the Garage, Twilight Zone in Toronto, Music Box and other clubs in Chicago. So, that was it. So, there were 3 floors, the 1st floor was actually the dance space, beautiful (sound) system, and on every weekend, for 1 year, it blazed. There was private membership, there was a juice bar, we were open from 12 (midnight) til whenever the doors closed, or whenever the last person left. So, that was it for the most part.
金曜日にデリック・メイとDウィーンがレジデントDJで、私とシェイ・デミエが土曜日のレジデントを勤めた。ミュージック・インスティチュートのクラブの経営者は３名と匿名の共同経営者がいて、私、シェイ・デミエとジョージ・ベーカーと共に営んでいた。そんな感じでした。我々は１年継続し、デトロイトの都市に何かをお返しする目的があった。他の都市のクラブ、ガラージ、トロントのトワイライト・ゾーン、シカゴのミュージック・ボックスや他のクラブ等に通い我々が吸収した事をデトロイトのみんなにお返ししたかった。ミュージック・インスティチュート自身は3階あり、１階にはメインのダンス・スペースがあり、最高のサウンド・システムが設置されていた。１年間、毎週末燃え続けていた。プライヴェートなメンバーシップがあり、ジュースを出すバーがあり、１２時に開店し、閉店時間はドアが占めるか、最後のお客さんが出るまでオープンしていた。ミュージック・インスティチュートとは、だいたいそんな感じでした。



Part 1 end

アルトン・ミラー急遽来日！
‘4 the love’ 2ND ANNIVERSARY Ft. Alton Miller @ Tokyo Salon
http://iflyer.tv/event/62108
SUN 2010.7.18
時間: 17:00 to 23:00
料金: DOOR: 2000 yen + 1D / DISCOUNT: 1500 yen + 1D (mail info@4thelove for guest list)
WHERE: Tokyo Salon (Aoyama)
アーティスト: Alton Miller, Billion Dollar Boys Club, MOO, tAisEi, Mikita
MAIN ROOM: Alton Miller (Detroit) / Billion Dollar Boys Club (4 the love)
BAR: Taisei (Music Mushroom) + Moo (The Oath/Conciousness)

信じられないことに、’4 the love’がすでに2周年を迎えました！ぎこちないスタート時から、ここまでのイベントになるなんて誰が想像しただろうか。

今年は量よりも質にこだわり、国際的に名の知れたアーティストやプロデューサーによるセットが中心となった。シカゴのJamie 3:26から始まり、アフリカのスピリチュアルなBoddhi Satvaまで、様々なスタイルやムードの音楽をそれぞれのパーティーでカバーした。そしてついに2周年記念パーティーとして、デトロイトからAlton Millerを迎え、30年以上もの経験からなるその高いエネルギーと迫力で会場を揺さぶる。

レジデントDJであり’4 the love’のオーナーであるBBCと、そのブラザーのTaisei (Music Mushroom)とTokyo veteran, Moo (The Oath / Consciousness)がバーでサポートし、特別な祝福の時を忘れられない夜にすること間違いなし！

Believe it or not, but ‘4 the love’ is 2 years old already! Who would of though that from humble beginnings, we would grow to the event we know today!

This year has seen us focus less on quantity and more on quality, with each act being an international recognized artist and producers. From the craziness of Jamie 3:26 from the Windy City to the spiritual Boddhi Satva from Central Africa, we have covered a range of style, moods and music at each party, culminating in our anniversary party, with Alton Miller, direct from Detroit to bring the roof down with an intense, high energy performance drawing from over 3 decades of experience behind the decks.

先日、今年のアメリカのベスト・ミュージカルを賛美するトニー賞で、１１部門ノミネイトされた『FELA!』は、何と３部門で受賞した！　おめでとうございます！

以下はノミネイトされた部門です。
Best Musical（最優秀ミュージカル賞）
Best Direction of a Musical（ミュージカルの最優秀監督賞）: Bill T. Jones
Best Choreography（最優秀振り付け賞）: Bill T. Jones
Best Book of a Musical（ミュージカルの最優秀本賞）: Jim Lewis & Bill T. Jones
Best Performance by an Actor in a Musical（ミュージカルの最優秀実演俳優賞）: Sahr Ngaujah
Best Performance by a Featured Actress in a Musical（ミュージカルの最優秀実演フィーチャーされた女優賞）: Lillias White
Best Orchestrations（最優秀オーケストラ賞）: Aaron Johnson
Best Scenic Design（最優秀舞台デザイン賞）: Marina Draghici
Best Costume Design（最優秀衣装デザイン賞）: Marina Draghici
Best Lighting Design（最優秀照明デザイン賞）: Robert Wierzel
Best Sound Design（最優秀サウンドデザイン賞）: Robert Kaplowitz

それで、６月１３日に開かれたトニー賞で、『FELA!』が以下の３部門受賞！
Best Choreography（最優秀振り付け賞）: Bill T. Jones
Best Costume Design（最優秀衣装デザイン賞）: Marina Draghici
Best Sound Design（最優秀サウンドデザイン賞）: Robert Kaplowitz

私自身は、去年の１１月にブロードウェイで『FELA!』がオープンした時、ビックリ仰天した！　２００８年にオフ・ブロードウェイで好評で、何とヒップホップ界の大御所、ジェイZ、ウィル・スミス、ウィル・スミスの家内で、女優としても有名なジャイダ・ピンケット・スミスの全面投資により、ブロードウェイでやる事になった。オープニングの夜、NYタイムズ誌でも大絶賛の批評も確保し、ミュージカルなんかそんなに興味がないが、フェラ・クティのミュージカルは絶対見たい！！　と正直思った。年末に友人の千田君と会い、最近ニューヨークに旅行し、『FELA!』を見て最高だった声も聞き、超羨ましかった！

早く日本でも、こんなにアメリカで騒がれているミュージカルで上演する日が実現して欲しい！

幾つかの『FELA!』のミュージカルに関する、youtubeからの映像をまとめましたのでご覧になってください。皆さんも私と同様に見たいかと思います！

『FELA!』の正式なコマーシャル


FELA! on Broadway—Opening Night! Featuring Jay-Z, Questlove and Spike Lee


Jay-Zの『FELA!』についてのビデオ・コメント


Alicia Keysの『FELA!』についてのビデオ・コメント


Spike Leeの『FELA!』についてのビデオ・コメント



また、国内でもアフロビートを盛り上げる為に、Wax Poetics Japan誌の次号で、フェラ・クティ、トニー・アレンの大特集を組まさせて頂きました。フェラの記事は、８０年代フェラの生前の頃出版された自伝からの抜粋。トニー・アレンの記事は、去年取材した最新インタビュー。トニー自身は、アフリカ７６の在籍の頃の秘話等、超最高な記事です！　両記事はアフロビート、フェラ／トニー・アレン・ファンに取って、かなり強力な内容で読み応えあります。

また皆さん、気付いているかどうか不明ですが、ウルトラヴァイブから、３月からフェラの作品のリマスター／紙ジャケ盤を２ヶ月置きに1回に付き、５枚も再発されています。

そして、フェラの再発第２弾に合わせて、５月１９日にトニー・アレンのCometからの第１弾名作『Black Voices』のリマスター特別盤『Black Voices Revisited』がリリースされました。本作は、ただの再発盤ではなく、オリジナルの『Black Voices』の各トラックがリマスターされ、音質も最高！　凄く臨場感があり、さらにドープでダビーで、各楽曲の強力さが増している！　また、ドクターLによるプロデュースする以前のデモ・ヴァージョンが収録されていて、日本盤にのみ、ブラジルの新鋭プロデューサー、Kurcによる、意外に最高なリミックスが収録。



『FELA』のミュージカルは噂によると、ロンドンでも今夏に上演されるそうで、東京でもいつか上演出来たらいいですね！
皆さんが名言するように、今世紀はアフリカの世紀となるか！？　マッ、アフロビートこそ先頭に立ち、アフリカの音楽の素晴らしさをリードしてくれれば最高だね！
既に皆さんはご存知かと思うが。。。。

先日渋谷のクラブ・クアトロにリトル・テンポが主宰している「レジェンド・シリーズ Vol.2〜春の満開伝説4・15」のイヴェントを見に行って来た。誠に恥ずかしながら、だいぶ久しくリトル・テンポのライヴをチェックした。恐らく、リキッド・ルームが新宿にあった以来。それって何年前の話しなんだろう。。。

マッ、とにかく一人で見に行った。久々にDJの長谷川賢司さんとばったり会った。ハングしているうちに、やはり賢司さん自身はさすが業界長いので、１０８誌というフリーペーパーを編集している鈴木完氏に紹介された。それで鈴木さんから４号目を頂いた。後で読んだが、凄く１０８誌の内容がとても素晴らしい！　個人的な、真の日本を代表する、世界の横尾忠則氏の最新インタビューが掲載していた。隠居生活を送っている横尾氏ののどかな感じを取材で掲載され、決して派手なインタビュー内容ではなかったが、マイルス、サンタナのジャケ等を手がけた、世界の第一線で活躍したレジェンドのひと時を覗く事が出来、満足！　鈴木氏は前号にはカンの元ヴォーカリストであったダモ・スズキのインタビューも掲載していたと聞き、これも読みたいと思った。又今回見に行った「レジェンド・シリーズ Vol.2〜春の満開伝説4・15」に出演したリトル・テンポの土生“TICO”剛氏と、ゲスト出演した元トマトスの松竹谷　清氏の対談も掲載された。これもおもしろかった、我々若い世代が音楽に対する情熱と洗練さを、先輩方から敬意を払い、見習わなければならないかと思った。１０８誌の表紙には、HOW DO YOU THINK?という質問が記載されているが、この現在、マジで一人一人一日本人、一地球人として地球、日本に行きている限り考えなければならない時代だと思うね。そんなフリーペーパーをこのライヴで出会えて嬉しかった。

リトル・テンポのライブが始まり、一瞬でビビビ〜っと感じたのはもう１５年以上もライヴ活動を行なっているこのバンドはスーパー・タイトだなと思った。プレイしている楽曲を自由自在に操っている感じがした。やはり、長い間活動しているバンドって、そのバンドしか出せない独特なヴァイブってあるんだな〜と思い、一つ一つのライヴも特別なひと時だと思った。もちろんルーツ・レゲエを基盤としているバンドですが、リトル・テンポ自身はそれ以上の他の要素、ファンク、ニュー・オーリンズのソウル、ジャズ、日本の音楽等々様々な要素を独自の理解と音楽に対する熱意をライヴで披露し、久々に驚いた。何となくリトル・テンポが海外にライヴを、ロンドン、ジャマイカ（？）で行ない、堂々とそこでの外人等にかませる事が出来るのは理解出来る。音楽ってマジでタイトで良ければ、名声とか前評判なんか無関係で、全宇宙の生き物に共感得られるパワーがあるのかと思う。リトル・テンポはこんな日本を代表するバンドなんだと、改めて思った。また、ハートを音楽にあると思った。これが大事だと思う。

最初はじっくり演奏を聴いていたが、自分は全く知らない、ピアニカを持っているオヤジが登場した。雰囲気が非常に不思議だった。正直言いますと、あまり前告知をちゃんと読まず、ライヴに行き、後々以下の告知文を読みました。

国立のレジェンドVSリトテン！！
2010年陽春、初のスペシャル・セッションが遂に実現！！
LITTLE TEMPO × ピアニカ前田

出演 ： LITTLE TEMPO
SPECIAL GUEST ：ピアニカ前田
※シークレット・ゲスト有り

ピアニカ前田

鍵盤ハーモニカ奏者。
友人からスティービー・ワンダーの「イズントシーラヴリー」の間奏は鍵盤ハーモニカだと吹き込まれ（実際には、ハーモニカで演奏されている）、鍵盤ハーモニカ奏者となる。1988年、RCサクセションの仲井戸麗市のソロ・アルバム「仲井戸麗市BOOK」に鍵盤ハーモニカ奏者として初のレコーディング参加。89年に、“TOMATOS”の松竹谷清(ギター)、“MUTE BEAT”の松永孝義(ベース)、今井秀行(ドラム)をメンバーとして迎えピアニカ前田＆グッドベイツの名義で(7inchアナログ盤「JUST YOU, JUST ME」)リリース・デビューする。92年には、スカの創始者、“Skatalites”のローランド・アルフォンと共演したCD「ROLAND ALPHONSO meet GOOD BAITES with ピアニカ前田 at WACKIES NEW JERSEY」、「Summer Place」がリリースされる。90年初頭から、現“sly mongoose”、ネタンダーズ”の塚本功（ギター）、長山雄治（ウッドベース）と“ピラニアンズ”を結成。その後、ASA-CHANG（パーカッション）も参加(現在は脱退)、96年からは“Polaris”の活躍で知られる坂田学（ドラム）もメンバーとして加わる。98年には、ボサノヴァのテイストを取り入れた、ベースレスで2ギターという編成の“ボッサピアニキータ”を結成〜メンバーは宮田誠（ガットギター）、田中義人（エレキギター）、坂田学（ドラム）〜2枚のアルバムをリリースする。2006年には、9年ぶりにピラニアンズの活動を再開し、現在NEWアルバムの制作にとりかかっている。その他に、ソロ名義でスタジオジブリ作品をカバーしたアルバム「ピアニカで聴くスタジオジブリ作品集」(08年)などもリリースし、全国の小学校などでも演奏会を行っている。また、鍵盤ハーモニカ教則本の監修を２冊手懸け、その奏法や調整法についての発表も行っている。

以上

ピアニカを演奏していたアーティストは、ピアニカ前田氏でした。僕自身は今まで恥ずかしながら、全く彼の事が全く知らなかったが、上記のプロフィールを読むとビックリ！　しかし、リトルテンポとの共演は凄かった。逆に知らなくて良かったかもしれない。ピアニカ前田氏の、哀愁籠ったピアニカの演奏は（最初の何曲はエロい、バラードっぽい曲だった）まるで天国の音楽そのものかと感じた。壮大なる楽園のサントラ、雲と太陽とピースを勝手に頭の中想像しました。みんなが求めている事ではないでしょうか？　思いもよらない感動に満ちた。いい音楽、いいライヴから突然やって来る、こういうひと時って素直に嬉しいことだと思わない？　

それで正直酒も一滴も飲まず今まで空腹でちょっと元気がなかった自分は、突然彼等から恐らく神聖な音楽のパワーを頂き、フロアに行き、そのパワーで最後まで呪われた人みたいに踊り狂った！　マジで暴れていた。恐らく、自分から喜びのエネルギーが全快に回りに発し、回りの見知らぬ方々も元気になり、テンションが上がったかもしれない。ライヴって、バンドがロックしていると、お客さんもそのエネルギーを感じ、互いのエネルギーを発し循環し、テンションが上がり、真のトランス状態にハマリ出すのが最も極上な音楽体験だと思わない？　あまりにもフィーバーしていたので、汗はかくは大変健康的なエアロビックスを行なった。

いや、良かった。一言。もっとリトル・テンポの生のライブを見に行かなければ。元気を頂きに。

そんな凄まじいライヴでした。リトル・テンポの皆様、有り難うございます。貴重な体験を披露してくれて。次のライヴ、楽しみにしています。


http://www.littletempo.com/

先ほど、ラーメンを食べながら、Twitterを見ていたら、又もや去年のMJの死と同様、もう一人の２０世紀の音楽シーンを激変させた人が死んだ。マルコム・マクラレン。。。パンク、ワールズ・エンド、キングス・ロード、ピストルズ、『バッフォロー・ガールズ』。。。

何か時代が終わったような気がする。２０年以上前に、初めてロンドンに旅行に行った時を思い出す。やたらとその当時、スキンヘッズが観光客を脅かしにウロウロしていた。彼等は、マルコム・マクラレンが提唱していたパンクのスピリットを継承したチルドレンだったんだな。キングズ・ロードの奥の方にワールズ・エンドのお店があったし。

本当に、彼みたいな挑戦的な、怖いもの無しの、無茶をお茶目に平気でやるアチチュード、リスペクトするよ。今、そんなヤツ、目下られているではないか。また、空気を吸う場もない。もちろん、計算高く、ピストルズのマネージャーとしてもやらかしていたし。カッコいいね！　イギリスの伝統を打ち壊すのを本気に思っていたし、一つの機軸を誕生させ、また彼のスピリットのお陰で８０年代後半のイギリスのダンス・ミュージックのシーンが誕生したかと思うし、ハーヴィー、コールドカット、オーブ、そしてKLF、アシッド、ライヴ等も彼等のチルドレンだな、とさえ思う。

彼のような人って、今どこにいるのかな？　ネットでバーチュアルにはいなさそう。外に出て、現場を利用し、乱用し、世の中をチェレンジしていた。

彼と険悪の仲であった、ピストルズのジョニー・ライドンでさえ、敬意を払っていた。天敵でさえ、死ぬとリスペクトするほど凄い、革命の旗を無茶に振り回した天才だった。

彼のスピリットは決して忘れてはならない。。。

補足：もちろん『Duck Rock』は永遠の名作だが、94年にリリースされた『The Largest Movie House in Paris』も大好き！　アナログ２枚、最近数百円でブックオフかどっかでCDも購入。チルアウトの傑作だと思う。

遂に、アンダーグラウンド日本の音キチの中で噂になっている、スーパー・グループが姿を公共の場で姿を表す日々がやって来た。

今晩、WAVES御披露目会があり、代官山のCombine Daikanyamaで。以下は、そのインフォ。
また、今週末、４／１１（日）にお台場で開催される渚でChillout Villege (Posivision誌／Global Chillage）がオーガナイズしているMoon Stageで16:30~17:30の時間帯、たっぷりの１時間のライブを披露する。

◆Waves Meeting : 01
Presented by Combine

2010.04.09 Friday at Combine Daikanyama

Nobuhiko ‘Ebizo’ Tanuma、Kuniyuki Takahashiが、新たに始動したバンド・ プロジェクト＜Waves＞。今春デビューの彼等が、一夜限りのスペシャルなラ イブ・セットを披露する、＜Waves Meeting : 01＞を開催致します。彼等の世 界観を、間近で体感できる貴重な機会となるでしょう。入場無料ですので、皆様、お気軽にお立ち寄り下さい!

Open/Start 21：00
Entrance Free!

Live : Waves 23：00〜 Live Start!
DJ : Hiyoshi　(Global Chillage), Ackky(bank!), and more!

◆Combine 代官山店
東京都渋谷区猿楽町28-10 モードコスモスビルB1
TEL：03-3770-3309
URL：http://www.combine.jp/daikanyama/

Waves、まだこのような形でしか知らないかと思いますが、Sound of Speed（レーベルと今や活動休止の伝説的なパーティー）、hangoutersで活躍中の、同僚ebz氏が立案した、The Baysの即興演奏スタイル（ebzさん自身は長年The Baysの皆さんとはとても深い交流を持っていて、それはThe Baysが一般的にビッグになる前に、Sound of Speedのヒロ君の模索で数年前に武尊祭の出演させ、またebz氏、kunuyuki氏もこの時共演し、こんなウンチクを語ってはいますが、事実なので）をモチーフにし、またECMからリリースされたTerje Rypdalの隠れた名作『Waves』からグループ名がインスパイアされ、新感覚の、皆さんに要注目して欲しい、エレクトロニックスと生演奏を融合するドリーム・チーム的なバンドなのです。以下のインフォには記載されてはいないですが、機械のプログラムされているドラム・マシーンではなく、グルーヴィーなソいるのミドリンも参加している。また、今回の一連のライヴには出演はしていないが、鬼才イアン・オブライアンも今後リリースされるWavesのアルバムに参加している。まさに“ドリーム・チーム”、シャック、MJ、コービーみたいなNBA勢がオリンピックのバスケに乱入っていう感じではなく、我が愛するヤンキーズでもないが、ブラインド・フェースって言う感じかな？　マッ、ブラインド・フェースみたいには一発花火、幻になって欲しくはないが。。

新たな日本発世界に向けた、世界標準のグループになって欲しい！　僕自身が手がけているReagenz、Wareikaみたいに同じようにヨーロッパで火がついたらいいかと思うが。そんな凄さを期待出来るライヴ・バンドだと思うね。マッ、今晩、日曜日の渚で何をやらかすのか楽しみですが。マッ、エレクトロニックスであろうが、生演奏であろうが、どちらでもバンドというものは練習だね、回数を重ね、やればやるほど、またステージの存在感がなければ、やっぱりストーンズとか、人気のあるバンドの秘訣は何だかというと、バンドとして一体となり、あまりにも練習過ぎて、現場で何があろうが目隠しをしても、余裕で自身等が一体となってその場で演奏する音楽とグルーヴが出来る事かな。それから、ライブのマジックが出るかと思うね。そんなバンドに成長して欲しく、皆さん心暖かく見守って下さい。そして、演奏する機会を増やして欲しいようなバンドだと思うね。

２０１０年代を突入し、００年代をサラバにし、新たな機軸が展開する寸前。その瞬間が今晩、又は日曜日の渚で体感出来る。

Waves, this is got to be the first time you have heard about this new group but this is a new project that ebz who has been musically active for years with Sound of Speed (label & not active but legendary party) and hangouters, has developed. Waves whose motif was taken from the mighty The Bays’ improvisational performance style (ebz is mates with The Bays boys and before The Bays became massive in Japan, thru the help of Hiro @Sound of Speed, performed at Hotaka Festival many years ago. ebz and kuniyuki also performed with them. Also, the origins of the group name was inspired from a lost classic from ECM, Terje Rypdal’s album, Waves. So, if you r a serious muso and calculate, what this group is all about, you might feeeeeeeeeeeelllll, hey, this group might be up to sumtin’ and might be worth checkin’ out before the legend starts. Waves intertwine electronics with live instrumentation and are a sorta Dream Team like group, comprised of ebz, kuniyuki takahashi (koss, kuniyuki, etc. fame) and though, the above info, ain’t sayin’ it, the not programmed drum machine but live drums are played by midorin of soil__________ (please fill in the blank or smoke it). Also, Ian o’Brien is doing his thang in their upcoming debut album as well though he will not be playing with them for tonight or sunday’s Nagisa gig as well. Unlike the Shaq, MJ (not jacko but sir air, dude), Koby dream team that annailates the Olympics or my beloved Yankees, more closed to yesteryear, super group, Blind Faith though won’t want Waves to implore like them…..

I wish for Waves to be a James Worthy, slam dunk, Made in Japan, comin, straight outta JP, who can hold their own and amaze, not only in JP but the wholee fxxkin’ universe! Just like the NOW HOT & in demand bands in europe NOW that I take care of in JP, Reagenz & Wareika. I have a hunch that, with their deep musical understanding and musician’s chops, they are a force to be reckoned with. So, I am looking forward to checking them out either tonite or at this sunday’s Nagisa (you should make the effort, if you are a hipster, I have given u a tip outta thin air). I really think that, it really doesn’t matter, whether it be electronic based or live based, a shit hot band is a shit hot band who come together as one, like one love, with too much practice (though they say, practice makes perfect, there is no such thing as perfect in a performance. human irregularities and imperfections is beautiful in itself but you get the drift. its all about the ebz and flow), a band becomes as one, who can overcome all the chinks of playing in the public, in front of the punters and somehow, magic appears, the magic only one can hear, feel, groove to, if one’s physically there, cut the BS of dis virtual dong, mate. be there to experience it. That is the sorta live group I wish for them to develop and hopefully, you can open your warm arms to them as well, just like me. And hopefully, we can see them more often to see firsthand how they develop, into a shit HOT band.

Say goodbye to Hollywood and the noughties, now, we are in the 10s (like a scuffy teenager, eyes wide open and hoping for the zits to disappear…), going into a new tangent. That experience is for you to seize, tonight or this sunday @Nagisa, with

Waves

follow Waves@
www.twitter.com/Waves_

written with love
ken hidaka

forthcoming from Waves, their debut album
see more info below:

＜Waves＞
1st Album “Encounter”
Label : BEAMS RECORDS
Release Date : 2010/5/12(Wed)
My Space URL：http://www.myspace.com/wavestrio

２〜３日前にとあるアーティストの写真等を探すために、ホコリがかぶっていた昔買っていた、山澄みになっていた雑誌を一通り、チェックし、アメリカの音楽雑誌、MUSICIAN誌の、マイルス・デービスが亡くなった時の記念号があったので、今日読み返した。一つのマイルスに関する記事には、マイルスと深く関わっていた多くのジャズ・マン、元マイルス・スクールにいた方々のコメントが書いていたので、読んでいた。以下は、幾つかの抜粋だ。

TONY WILLIAMS
In the 50s, Miles and Max Roach were speaking like men, acting like men. I saw them and said, “That’s the Life I want to live.” Miles showed you how to carry yourself. He inspired to think beyond what they thought they were capable of. The time I’m talking about, from 1957 on, this is before the civil rights movement of the 60s, before anyone knew about King or Muhammad Ali or Malcolm X. Miles was a person that people of my generation looked for those things. So when the 60s came, I didn’t need anybody to tell me “We shall overcome.” I was already living it.
５０年代に、マイルスとマックス・ローチは(真の、堂々たる）男のような語り、男のように振る舞っていた。私は彼等と会い、自分の中「そのように私は人生を生きたい。」と思った。マイルスは、自分自身をどう振る舞うかを見せてくれた。マイルスは相手に自分の中思っている（自分自身が勝手に思い込んでいる限界）能力よりも超えられると創造的刺激を与えてくれた。いつ彼にそう刺激されたかと言いますと、１９５７年くらいで、６０年代の公民権運動よりも、またキング牧師、モハメッド・アリやマルコムXの事を誰も知らない時代であった。私の世代はこのような事を求めていたので、マイルスから伝授され彼の事を尊敬していた。なので６０年代が到来したら、誰にも“勝利を我らに”と教えられる必要がなかった。私は既に生きていた。

CARLOS SANTANA
I first met him in ‘69 in Tanglewood. Like most rock’n roll players I was scared to death of him at the time. The only analogy I can give is that people who play at his level are the ocean, and I was used to swimming in a pool….
私は初めてマイルスにタングルウッド（注：ニューヨーク州にある、クラシック、ジャズ、ロック等、夏に野外でライブを行なう会場がある町）で69年に会った。その当時、どのロック系のアーティストと同様に私は彼等の事を怖がっていた。私自身の貴方に話せる唯一の例示は、彼のレベルで演奏する方は海であり、私はプールの中泳ぐ事しか出来なかった。。。
With all respect to John Coltrane or Bob Marley or Jimi Hendrix, they became immortals because they died. Miles was immortal before he died. I have a video of Muhammed Ali’s first fight with Joe Frazier in Madison Square Garden. And everybody was looking at Miles when he came in, I mean everybody, including Muhammed Ali and Joe Frazier. He was that powerful.
ジョン・コールトレイン、ボブ・マーリー、ジミ・ヘンドリックスには恐れながら、彼等は亡くなった理由で名声不朽の人となった。（しかし）マイルスは死ぬ前から名声不朽の人であった。私はマディソン・スクェア・ガーデンで行なわれたモハメッド・アリが初めてジョー・フレイジャーとの（ヘヴィー級のボクシングの）ファイトのビデオを持っている。（そのビデオを見ると）マイルスが会場に登場した時、そこにいる皆さんすべて、モハメッド・アリとジョー・フレイジャーでさえ、彼の事を注目していた。彼はそれだけパワフルだった。

今２１世紀の始めに、我々はこの地球上に生きていて、色々な人間が誕生し、また亡くなって行く。生きているうち、色々な人間、思想等々と出会い、またそれらに影響され、学び、自身の事を磨きかけようとする。しかし、マイルスが生きている時に残した生き様を上記のような事を読み、また彼の音楽を通じて感じ、今果たして彼のようなカリスマの強い、また挑戦的な人っているのか？と思った。マイルスには恐らく現状維持という言葉は彼の中存在していなかったかと思う。今も彼のような人は存在しているかと思うが求めていなかったら出会えないし、また歴史上生きていた人間と社会全体が進化するため何かしら残して頂いた功績は決して忘れてはならないかと思い、新旧であろうかそれから学ぶべきかと。このMUSICIAN誌の号の他の記事に、マイルスは「唯一のジャズの伝統は、伝統なんか存在しない」と反論していた事が書いていた。恐らく何も満足する事は彼に取って出来なく、常に限界を知らなく、最後まで挑戦していた。マイルスが残した事は大勢の新旧の方々をインスパイアし、彼のスピリットが生き続けていて、状況がどうであれぶれる事は禁物であり、誰が相手であろうが戦う（挑戦）べきという彼の姿勢って決して忘れてはならないかと。